incircolARTE

Gaspare - Corpus Vitrearum (dettaglio), 2012
vetro, cenere, acqua, pigmenti, tappo in legno e sughero, colla, inchiostro
dimensioni variabili

Per il progetto Equorea (di mari, ghiacci, nuvole e altre acque ancora) presentato all’interno di BUILDINGBOX, Gaspare allestisce un insieme di ampolle del proprio Corpus Vitrearum, immagine di metamorfosi e del ciclico rinnovarsi di stato dei corpi nella loro frammentazione e, metaforicamente, anche della propria pratica artistica.

Distruzione e rigenerazione. Il pensiero filosofico sviluppatosi attorno ai frammenti di Eraclito riteneva che il fuoco fosse l’agente trasformatore primordiale dal quale si genera l’acqua, che a sua volta fa nascere la terra e che nuovamente, in un ciclo eterno, si trasforma in fuoco. Anche se l’origine dell’acqua sul pianeta Terra rimane sconosciuta, è la nostra stella, il Sole, che garantisce la sua presenza sulla superficie terrestre. È ancora l’aumento della temperatura dell’acqua che per ebollizione o sublimazione innesca il passaggio dallo stato liquido, o solido, allo stato aeriforme del vapore. Con Corpus Vitrearum Gaspare evoca il ciclo di cambiamento di stato tra gli elementi, cogliendo in particolare il momento di trasformazione della materia generato dal calore, dalla combustione. Mentre realizzava alcuni lavori su tela o su carta, sempre ottenuti “stratificando” materiali neri eterogenei quali tempera, china, acrilico, carbone, l’artista ha conservato l’acqua coloratasi di nero durante la prassi operativa e ha bruciato il proprio lavoro. Raccolta quindi sia l’acqua “nera” sia la cenere di ogni opera ha racchiuso i materiali in una bottiglia di vetro sigillando e firmando il tappo. Ogni vetro contiene un’altra opera d’arte, a simboleggiare il tentativo di distruggere e rinnovare la materia, il tempo e la memoria. Sintesi del processo e del residuo dell’opera, il liquido ha una diversa consistenza e composizione a seconda dei materiali usati per creare il lavoro originario.

Virginia Zanetti - Studio per δύτης :Tuffatore, 2023 still video
still video

Per progetto Equorea (di mari, ghiacci, nuvole e altre acque ancora) presentato all’interno di BUILDINGBOX, Virginia Zanetti presenta l’opera δύτης / Tuffatore, esplicito rimando all’affresco sulla lastra di copertura della Tomba del Tuffatore, manufatto dell’arte funeraria della Magna Grecia, rinvenuta in una piccola necropoli vicino a Paestum. Raro esempio di pittura greca, nel dipinto l’acqua rappresenta l’elemento simbolico capace di collegare il mondo terreno a quello ultraterreno.

In tutte le culture, l’acqua è fonte e origine della vita umana. Fondamentale per l’uomo, non solo per le sue funzioni puramente pratiche, è al centro di culti e mitologie, che legano il mondo del sacro al profano. Non solo, in accezione simbolica, l’acqua svela la sua natura dualistica associandosi tanto alla vita quanto alla morte. L’opera di Zanetti richiama idealmente la possibilità di collegare questi due mondi: realizzata in vetro e incastonata all’interno dello spazio, ha la forma e le dimensioni di un trampolino per tuffatori olimpionici. Privato della sua funzione di slancio dal materiale fragile che lo compone – opposto a quello resiliente ed elastico che lo contraddistingue normalmente – e decontestualizzato, il “trampolino” diventa attivatore di significati simbolici, leggeri e profondi, ironici e drammatici allo stesso tempo. Il titolo δύτης / Tuffatore, inciso in greco sul trampolino (nella pronuncia greca è una parola quasi onomatopeica, “diùtees” suona prima come l’impatto secco del tuffo e poi come la lunga scia di frescura dell’immersione sott’acqua) evoca una presenza umana potenziale, invita a immaginarsi nella posizione di chi si colloca sulla pedana prima di tuffarsi, e metaforicamente a immedesimarsi nell’atto di compiere un’azione capace di cambiare il proprio destino. Il trampolino, infatti, evoca l’illusione di volare solo per pochi secondi prima di cadere e quella libertà di scelta tra il movimento verso gli abissi della profondità e delle altezze.

Michele Spanghero - Stream II (dettaglio), 2012-2023 tubi di acciaio, altoparlanti, bulloni, cavi audio, lettori multimediali 2 elementi di 28,5 x 54 x 108 cm
tubi di acciaio, altoparlanti, bulloni, cavi audio, lettori multimediali
2 elementi di 28,5 x 54 x 108 cm

Per il progetto Equorea (di mari, ghiacci, nuvole e altre acque ancora) presentato all’interno di BUILDINGBOX, Michele Spanghero allestisce Stream II, una scultura sonora composta da due tubi industriali curvi uniti da flange imbullonate.

Il suono dell’acqua che scorre è un rumore bianco, un particolare tipo di rumore caratterizzato da tutti i toni possibili dello spettro sonoro con stesso livello di ampiezza, ma senza periodicità nel tempo. La sua definizione rimanda alla luce bianca che l’occhio umano vedrebbe in presenza di una radiazione elettromagnetica di spettro smile. Spesso il rumore bianco è associato a proprietà tranquillizzanti perché ricorda il suono del ventre materno, l’ambiente primigenio di accoglienza per l’essere umano. Anche se questo particolare suono non può essere visualizzato, la sua identità e le sue caratteristiche sensoriali possono essere indagate formalmente. La ricerca di Michele Spanghero si concentra proprio su questa relazione, sul rapporto tra suono e scultura, e in particolare sulla percezione sonora nello spazio.
Gli altoparlanti all’interno delle sculture riproducono una registrazione audio di un liquido che scorre – del petrolio greggio all’interno di un sistema di oleodotti di estrazione – che potrà essere ascoltata dal visitatore attraverso un file audio accessibile online attraverso un QR code. La verniciatura estremamente raffinata delle tubature conferisce un aspetto prezioso a degli elementi che comunemente vengono utilizzati per scopi industriali e crea uno straniamento estetico. A loro volta i tubi curvi, che accennano a una forma circolare e compiuta, rimandano alla circolarità insita all’elemento acquatico, ma anche alla chiusura economica del sistema economico a petrolio.

Fabio Roncato - Momentum n.13, 2022
alluminio (da fusione a cera persa)
65 x 50 x 125h cm

Per il progetto Equorea (di mari, ghiacci, nuvole e altre acque ancora), presentato all’interno di BUILDINGBOX, Fabio Roncato allestisce due sculture appartenenti alla ricerca Momentum, proponendo una riflessione sull’esperienza e la percezione del tempo, sul concetto di “istante di tempo”, cercando di formalizzare un processo scultoreo capace di coglierne la forma e rivelarne l'aspetto.

L’acqua è un composto chimico che in condizioni di temperatura e pressione normali si presenta come un sistema bifase, ovvero come un liquido e un vapore; se la temperatura supera la soglia di congelamento passa allo stato solido, diventando ghiaccio. Per sua natura è un elemento mutevole; sul pianeta Terra l’acqua compie un ciclo continuo (ciclo dell’acqua) che consiste in uno scambio incessante tra atmosfera, suolo, acque di superficie, acque profonde ed esseri viventi. Tra le acque superficiali ci sono i fiumi, corsi d’acqua perenne alimentati da piogge, scioglimento di nevi o ghiacci o da falde acquifere sotterranee.
È proprio dal confronto con questa specifica classificazione dell’acqua che nasce la ricerca di Fabio Roncato e il tentativo di coglierne una forma. Momentum sono, infatti, sculture che l’artista realizza dal contatto fra due elementi liquidi, la cera fusa e le correnti d’acqua di un fiume. Il materiale, scaldato a riva, viene deposto ancora caldo nel fiume che lo raffredda e lo solidifica determinando nell’arco di una frazione di secondo la forma dell’intera scultura. Questa rivela sia l'autonomia del processo, libero da qualsiasi pianificazione sull’aspetto finale dell’opera, sia la porzione limitata di tempo, un’istante, in cui si svolge il processo - da qui il titolo, Momentum, che rimanda al singolo e unico momento contenuto nella scultura generata, in forma stabile e definitiva. Infine, la fusione: la cera persa permette di completare questo processo con un materiale, l'alluminio, solido e scultoreo, imprigionando la fragilità e l’indeterminatezza di un istante per sempre nel tempo.

Giulia Bortoluzzi (Pordenone, 1987) è autrice ed editor, docente e curatrice. Laureata in filosofia contemporanea all’Università di Trieste e specializzata in pratiche curatoriali alla École du MAGASIN di Grenoble (FR). Attualmente, collabora come coordinatore editoriale ed editor per Triennale Milano ed è autore per pubblicazioni d’arte e design. È docente del corso di Fenomenologia dell’arte contemporanea all’Istituto Europeo di Design di Milano e del corso di Estetica all’Accademia di Belle Arti di Udine. In ambito formativo è stata tutor al Dipartimento di Architettura e Studi Urbani al Politecnico di Milano e ha collaborato col dipartimento educativo di Fondation Cartier di Parigi (2012-2013). È stata co-curatore della mostra di Liam Gillick From 119C to 199D al Centre National d’Art Contemporain di Grenoble (2014), e tuttora collabora all’organizzazione di mostre e progetti espositivi con istituzioni, spazi no-profit e gallerie private. Dal 2009 al 2017 è stata redattore della rivista d’arte contemporanea Juliet, per la quale ha anche ideato e diretto il progetto editoriale online.

BUILDINGBOX è il progetto espositivo inaugurato nel settembre 2018, situato all’interno di una delle vetrine di BUILDING che affacciano su via Monte di Pietà, visibile 24 ore su 24, notte e giorno, senza dover entrare all’interno della palazzina, nonostante ne faccia effettivamente parte. Attraverso la sua collocazione riflette l’obiettivo per cui è stata creato: costruire un luogo indipendente caratterizzato da un progetto autonomo rispetto alla programmazione delle mostre che BUILDING ospiterà durante l’anno. BUILDINGBOX si basa su un’estensione temporale e ospiterà una serie di opere, legate fra loro da un fil rouge che si svilupperà nel tempo, invece che nello spazio. BUILDINGBOX è uno spazio fisico, non una semplice vetrina, è delimitato da muri bianchi e vetro, una soluzione espositiva inedita che rappresenta un’interruzione dell’ordinario concetto dell’esporre, in cui contenuto e contenitore sono strettamente connessi, dando vita a un dialogo costante fra forma e contenuto. Una relazione che si attua anche fra l’interno e l’esterno, essendo questo un luogo fruibile 24 ore su 24, 7 giorni su 7. Questa vetrina ospiterà diversi artisti e designer, cicli di mostre e progetti temporanei, offrendo un approfondimento di tipo curatoriale su molteplici tematiche artistiche.
via Monte di Pietà 23, 20121 Milano
Visibile 24/7