Fotografi per pura passione

Il MAXXI aderisce anche quest’anno all’iniziativa di Save the ChildrenIlluminiamo il futuro. Insieme per sconfiggere la povertà educativa in Italia” proponendo il workshop di coesione sociale Fotografi per pura passione.
La attività del workshop, avviate lo scorso primo marzo, ha visto coinvolti Mohamed Keita, Morteza Khaleghi e Loni Mestrji, tre giovani artisti provenienti da Costa d’Avorio, Afghanistan e Albania, ormai avviati a un percorso di integrazione attraverso l’esperienza della cultura, nel campo della fotografia, del video e delle arti visive. Con loro un gruppo di minori non accompagnati del centro CivicoZero e un gruppo di studenti del Liceo Tasso di Roma.
 
I ragazzi si sono confrontati sulla mostra di fotografia di Letizia Battaglia Per Pura Passione e in particolare gli scatti che ritraggono i bambini della città di Palermo che sono diventati spunto per le riflessioni di ognuno sulla condizione dell’infanzia e sul ruolo della donna nei paesi di origine dei ragazzi.
Il momento conclusivo delle attività sarà occasione di incontro e scambio anche con i visitatori del museo.Fotografi Per Pura Passione
mercoledì 5 aprile 2017, 16:30 – 18:30
Partecipazione libera con il biglietto di ingresso al museo

MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo – Via Guido Reni 4A – 00196 Roma – © 2002 – 2017 Fondazione MAXXI

Il senso segreto della natura. Takako Hirai

L’Associazione Giardini e Dintorni, nell’ambito della manifestazione Meraviglie segrete. Giardini aperti nel territorio ravennate, in collaborazione con il Museo d’Arte della città, presenta la mostra “Il senso segreto della natura. Takako Hirai” a cura di Linda Knifftz, dal 6 al 14 maggio 2017.

Takako Hirai è un’artista giapponese nata a Kumamoto nel 1975. Si è laureata in pittura alla Hiroshima City University, e in seguito ha deciso di apprendere la tecnica musiva venendo a Ravenna. La conoscenza approfondita di entrambi i linguaggi artistici, e del disegno, fa sì che Takako approcci il tema che più d’ogni altro la coinvolge il rapporto fra l’uomo e la natura con una sensibilità insieme formale (quale ricava dalla tradizione artistica del suo Paese), coloristica e materica.

Ma tutto nel segno d’una poetica sobria, asciutta, che nell’osservazione attenta e partecipe del dato naturale e nella sua elaborazione evocativa, ma sempre concentrata al massimo, trova la sua cifra. I suoi lavori sono pensieri che rivolge a sé stessa, usando pochi materiali, quasi solo materiali naturali, che compone da virtuosa. A volte nasconde una figura umana nelle sue opere, ma in maniera non perfettamente criptica: Takako desidera in realtà che essa venga cercata e infine scoperta da noi, che siamo invitati a percorrere insieme a lei il suo cammino nel gran bosco della Natura.

Ugualmente nasconde i suoi sentimenti in una rappresentazione naturalistica accurata, che rimanda a un universo interiore segreto e malinconico dove possa sentirsi riparata, al sicuro, sperando però che i suoi segreti vengano disvelati, in una contraddizione palese e feconda. Il suo rapporto con la natura è costante, in senso fisiologico e istintivo, ma con una connotazione introspettiva di carattere più etico che psicologico.

Scrive: “Io sono un essere della natura. Come devo vivere?

Orari mostra: da martedì a domenica: 9-18; chiuso lunedì e domenica
Ingresso: libero

 

Ufficio relazioni esterne e promozione 

Nada Mamish – Francesca Boschetti
via di Roma 13
48121 Ravenna
tel. 0544  482017

Terzo Educational Day

Domenica 9 aprile 22 musei AMACI aprono le loro porte per il terzo Educational Day, una giornata di attività gratuite – a cura dei Dipartimenti Educativi dei Musei associati e promossa dall’Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani con il supporto di BNL Gruppo BNP Paribas in qualità di Main Partner – interamente dedicata ad avvicinare il pubblico dell’arte contemporanea e le famiglie al museo.

Per questa terza edizione i direttori dei musei della rete AMACI hanno deciso di affidare all’artista Matteo Rubbi la realizzazione di un progetto inedito, appositamente per l’iniziativa.

Le Isole Fantastiche è “un inaspettato giro del mondo solcando mari, esplorando isole, immaginando nuove culture”. Il progetto si sviluppa in due momenti differenti ma connessi tra loro: il primo consiste in una serie di workshop, dedicati ai ragazzi del quarto e quinto anno della scuola primaria e del primo e secondo anno della scuola secondaria di primo grado. I laboratori si svolgeranno dal 3 al 7 aprile 2017 in occasione della quarta edizione del Festival della Cultura Creativa, ideato da ABI – Associazione Bancaria Italiana e a cui aderisce BNL, Main Partner dell’Educational Day, con la collaborazione di AMACI. Attraverso un video tutorial i partecipanti verranno invitati e stimolati da Matteo Rubbi a immaginare la propria isola, a tracciarne la forma e i confini, raffigurandone la morfologia, il clima, la biodiversità e attribuendole un nome, frutto della fantasia e della creatività di ciascun partecipante. Le isole, ripensate nel loro insieme e nel loro reciproco rapporto, costituiranno la base per la creazione di un arcipelago-classe: un sistema unico e irripetibile. L’insieme degli arcipelaghi darà vita a una nuova e inedita “mappa del mondo”, che verrà messa a disposizone del pubblico del museo durante l’Educational Day.

Nella giornata di domenica 9 aprile adulti, bambini e famiglie saranno infatti invitati a costruire e dare forma alle isole fantastiche ideate dai ragazzi, cercando di riprodurne fedelmente la forma, i colori, gli angoli caratteristici e gli animali più rappresentativi: le isole create durante i laboratori diventerrano quindi traccia e insieme istruzione per la realizzazione a tre dimensioni delle isole che saranno plasmate e modellate con plastilina colorata, messa a disposizione del pubblico. Adulti e bambini non solo diventeranno protagonisti attivi del processo di costruzione dell’isola, ma anche interpreti della volontà creativa degli ideatori.

Le Isole Fantastiche invita il pubblico a una riflessione sulla natura dell’isola, che per sua stessa definizione risulta essere un’entità distinta dalle altre, separata dal mare e sempre diversa. La morfologia del suo territorio è irripetibile, così come lo sono i suoi edifici e abitanti. Le isole, tuttavia, costituiscono spesso un arcipelago, un insieme limitato nello spazio che, diversamente da quanto suggerisce la definizione di isola, apre la strada a una possibilità di rapporto, di confronto, di dialogo e di vicinanza, non solo fisica, ma spesso anche di condivisione di caratteristiche comuni. Questa stessa interazione, rappresentata simbolicamente attraverso il sistema delle isole può essere ripensata anche in riferimento a un gruppo di persone, di ragazzi chiamati a immaginare insieme qualcosa, a un gruppo di visitatori che prendono parte a un progetto, ma anche alla relazione che intercorre tra i musei e il loro pubblico.

L’Educational Day rimette, dunque, al centro la funzione educativa dei musei, in particolare d’arte contemporanea, e il loro imprescindibile legame con il territorio cui fanno riferimento, ribadendo che non sono asettici contenitori di oggetti, bensì luoghi vivi, aperti, inclusivi, che hanno un’importante responsabilità sociale nei confronti delle loro comunità di appartenenza. I musei sono, e possono diventare sempre di più, centri di formazione permanente, luoghi di scambio e di crescita, laboratori per lo sviluppo del pensiero critico, piattaforme educative per l’inclusione sociale e l’integrazione culturale. E l’Educational Day serve a ribadire che per poter esercitare questa fondamentale funzione sociale, che è sempre parte integrante della loro missione istituzionale e del loro progetto culturale, i musei devono sapersi porre in una posizione aperta, di ascolto, nei confronti delle loro comunità e del loro pubblico, anche potenziale, interrogandosi continuamente sul proprio ruolo e trovando modalità sempre nuove di interagire efficacemente con l’attualità, sempre più complessa e dinamica. In questa direzione i musei d’arte contemporanea per loro natura possono svolgere un ruolo sociale importante, e hanno il dovere di farlo, offrendosi come terreno di sperimentazione per nuove forme di cittadinanza culturale, promuovendo e sostenendo coesione sociale e appartenenze territoriali, rendendo il proprio pubblico motore di processi innovativi, dove le persone diventino protagoniste della creazione e diffusione di un nuovo modo di pensare, vivere e diffondere la cultura.

Tutte le attività organizzate in occasione dell’Educational Day sono gratuite.

La terza edizione dell’Educational Day promossa da AMACI è realizzata con il sostegno del MiBACT – Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo, Direzione Generale Arte e Architettura Contemporanee e Periferie Urbane e Direzione Generale Educazione e Ricerca e con il patrocinio della Rappresentanza in Italia della Commissione europea, del Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo, della Conferenza delle Regioni e delle Province autonome, dell’UPI – Unione Province d’Italia, dell’ANCI – Associazione Nazionale Comuni Italiani e di ICOM Italia.

Donatella Airoldi per Chimere

Scrive Donatella Airoldi : “Chimere è realizzare spregiudicatamente senza colpo ferire ogni possibile creazione, dove non sussistono più regole o ortodossie, ma solo l’esaltante ordine di assemblaggi bizzarri e strani, saturi di senso e incapaci di avere ragione.

Non solo mostri e creature anomale: puoi scoprire che la materia può essere plurivocamente cangiante, la scopri magari di un timido colore, ma osservandola fino in fondo saprai che quello che vedi non è realtà proponibile ma solo un innesto irriverente in un artefatto conforto sensoriale.

Agio pensare che tutto abbia una logica didascalica con varianti nebulose, sacrificata a una sola visione, di fatto ogni disponibilità stravede nei particolari disorientanti e fa orrore rimpinguare i soliti oggetti riconoscibili stravolgendo il loro finto destino in disdicevoli sapori che assiepano verdesche e fragole, magari incuneate ancora nella terra, al sapore di supplenti connubi fruscianti.

È bene scoprire che le imperfezioni sono gemme aurifere che s’installano in sistemi ambigui e che, non riuscendo a capire ragione e stato, aspettano l’impulso assordante per assorbire e tramutarsi in scelta di stile. Ogni cosa deve seguire una logica, la razionalità ha piena ragione d’esistere, ma l’arte conficca la propria lama nelle ‘stupidita’ della ragione e si fa provocatorio svestimento. Quante diversità esistono, quanti inusitati saperi possono creare dimore sconosciute e infinite sollecitudini, strabordanti dai soliti chiusi sistemi empirici! Non esiste una sola sviscerata verità, gli artisti spillano nel loro senso indagativo e si scontrano implacabili con tutte le univocità, spaziano in ambienti clandestini e scovano la diversità come elemento primario di specie dove ogni cosa standard non ha più ambito e visuale. La normalizzazione è una perdente strada dove ogni possibilità creativa rimane intubata in liquidi biancastri lasciati irrisolti e imbottigliati alla radice.

L’arte ha una possibilità di fuga da questa straripante modalità di sottospecie visiva: creare l’impossibile nella palpebra visiva, far percepire che i dati forniti da ogni ipotesi sono molteplici e le possibilità risolutive innumerevoli.

Chimere sono gli oggetti di questa mostra, inafferrabili, capaci di più forze e per questo indomabili. L’arte come visione ed espressione chimerica di ogni perplessità, prosciolta da ogni imbrigliamento.
Stravolgere il senso delle cose e ricrearle in un inusitato linguaggio euritmico che sbeffeggia la semplicità lanciando moniti severi o ridendo ingordo d’ironia; passaggi surreali, riconosci l’oggetto d’uso e scopri che l’immenso possibile è trasferibile in forme lateralmente dislocate e incontrovertibilmente utilizzabili.

Spaziare e ritrovare in gorgoglii di tempi scaduti la spinta per riuscire e soddisfare ogni piacere inamidato in simposi pomposi e ribattere l’assurda imperfezione in sublimi estroflessioni che guadagnano ogni scarno sguardo. Chimere.”

 

Chimere – Opere tra arte, uso e design
Quintocortile – viale Bligny 42 – 20136 Milano
3 – 13 aprile 2017

Spontaneo quotidiano

Presso lo Spazio Espositivo della Farmacia Meltias di Conselve (Padova) continuano gli appuntamenti con l’arte a cadenza mensile. Dall’8 aprile al 6 maggio sarà protagonista l’arte della ceramica contemporanea con i preziosi oggetti d’uso quotidiano nati dall’immaginazione della padovana Daniela Barone.

Curata da Sonia Strukul, con il patrocinio della Città di Conselve, la mostra “Spontaneo quotidiano” sarà inaugurata sabato 8 aprile alle ore 18.00. La mostra è visitabile da lunedì a sabato con orario 8.30-12.45 e 15.30-19.45. Ingresso libero.

Daniela Barone crea i suoi oggetti a mano, sperimenta e azzarda per creare pezzi unici e non ripetibili. Creati con le argille, come terraglie, grès, porcellana, terra refrattaria e semi-refrattaria, e decorati con smalti, ossidi e cristallina colorata, i suoi vasi aggrovigliati sono diventati pezzi unici da collezione. «Questa materia è libera di porsi limiti, per ridefinirli quando è ora di cambiare – spiega Daniela Barone – Con la ceramica è possibile seguire l’istinto: questi oggetti d’arte sono in continua mutazione perché nel formarli mi lascio trasportare dalle loro metamorfosi».

La ceramica contemporanea italiana è ricca sia nel numero di artisti che nelle diversità espressive e rappresenta una fusione unica fra grande tradizione e una moderna interpretazione dell’arte. Nel ceramista-artista c’è unità di disegno e di esecuzione, cooperazione tra mani e personalità: designer e artigiano sono la stessa persona. I vasi “Fascia” di Daniela Barone sono sintesi di tecnica e pensiero poetico-intuitivo, come dice l’artista: “Per me la cosa importante è vivere la bellezza nella vita quotidiana” ed è in questo momento che l’arte dell’uomo viene investita di un più ricco significato.

Daniela Barone si è avvicinata al mondo della ceramica più di vent’anni fa, lavorando all’interno di un laboratorio creativo legato al sociale. È partita senza seguire una scuola di pensiero predefinita, ma orientandosi esclusivamente su intuizioni ed ispirazioni del momento. Poco per volta ha appreso le varie tecniche sperimentandosi, con successi e disastrosi fallimenti. Successivamente ha partecipato a diversi corsi di forgiatura e smaltatura a Nove, Faenza e anche a Padova affinando alcune nuove tecniche, che nel tempo ha rielaborato fino a renderle proprie. Da dieci anni con impegno costante lavora nel proprio laboratorio.

Presso lo Spazio Espositivo della Farmacia Meltias di Conselve (Padova) continuano le mostre a cadenza mensile a cura di Sonia Strukul. Un’opportunità per far conoscere e promuovere non solo artisti, ma anche artigiani, designer e orafi del territorio. L’artigianalità e l’inventiva italiana sono un’eccellenza apprezzata in tutto il mondo che va riconosciuta e preservata.

Grazie alla lungimiranza di imprenditori come i due fondatori del gruppo Meltias, il dott. Lucio Merlo e del dott. Roberto Sannito, dal 2014 è stato creato uno spazio dedicato ad eventi culturali e formativi, mirati alla divulgazione delle varie sfaccettature del mondo artistico e culturale. Un nuovo concetto di Farmacia come luogo di benessere sia fisico che emotivo; un insieme di spazi, professionisti, servizi e prodotti d’eccellenza che propongono un approccio olistico al benessere dei propri clienti. Arte come conforto dell’anima, messaggio salvifico per la cura del corpo e della mente.

SPONTANEO QUOTIDIANO / Daniela Barone
a cura di Sonia Strukul
Spazio Espositivo Farmacia MELTIAS
Via Vittorio Emanuele II, 21 – Conselve (Padova)
dall’8 aprile al 6 maggio 2017
vernissage sabato 8 aprile ore 18.00

Orari di apertura:
da lunedì a sabato ore 8.30-12.45 e 15.30-19.45
Ingresso libero

Per informazioni:
Farmacia Meltias Conselve
Tel. 049 5384165
www.farmaciemeltias.it
conselve@farmaciemeltias.it

Per informazioni sulle opere esposte:

Daniela Barone
barone.daniela@email.it
www.dibaroneceramicheartistiche.it
Sonia Strukul
Tel. 392 4541345
strukulsonia@alice.it

Les Sculptures Utilitaires di Pierre Cardin

“I miei mobili sono sculture. Mi piace lavorare come uno scultore, è la mia vita, la mia passione, la mia felicità e la mia gioia. La ragione del mio lavoro.” Pierre Cardin

In occasione del Salone del Mobile 2017, la Galleria Carla Sozzani presenta Pierre Cardin. Les Sculptures Utilitaires.
La mostra rende omaggio a Pierre Cardin, straordinario precursore di forme e idee attraverso i progetti di design che negli anni Settanta hanno definito la visione del grande couturier.

Le “Sculptures Utilitaires” sono arredi e luci in cui Pierre Cardin, lo scultore della moda, traduce le sue figure geometriche, i tagli simmetrici, le curve, nell’arredo quotidiano. «Ragiono come uno scultore, creo una forma. È un procedimento per cui ciò che conta è la creazione di una linea che non c’era prima. E che è destinata a durare».

Da questo percorso nascono forme futuristiche che conciliano le tecniche della lacca tradizionale e dell’ebanisteria con le geometrie elementari. L’intuizione innovativa di Pierre Cardin diventa struttura e componente estetica.

Dice Pierre Cardin: «Volevo dar forma a mobili come a sculture da poter guardare da diverse angolazioni come i corpi che vesto».

Mobili spaziali, lampade lunari, oggetti funzionali come armadi, cassettiere, scaffali, sono progettati da più prospettive e la loro funzionalità viene quasi nascosta dalla superficie laccata.
Con le parole di Maurice Rheims de l’Académie française «Una vera evoluzione si verifica nel design di Pierre Cardin, là dove l’idea di un mobile dà luogo a un’immagine scolpita. Di rado nelle arti decorative abbiamo potuto percepire come l’artigiano fosse toccato dalla grazia».

Pierre Cardin, 1922, di origine italiana e di formazione francese, è stato il primo designer a creare il prêt-à-porter nel 1959 sfilando dai grandi magazzini Printemps; il primo a creare la collezione moda per l’uomo nel 1960; il primo ad andare in Giappone, in Cina e in Russia aprendo boutiques; il primo ad applicare le licenze nella distribuzione di prodotti che non fossero solo abbigliamento, il primo ad allestire mostre e il primo a vestire ogni ambito del vivere, dagli occhiali ai ristoranti, dalle navi agli aerei.

Profondamente attratto dal mondo del teatro e del cinema, Cardin ha lavorato con Jean Cocteau e Jeanne Moreau, fino ad aprire nel 1970 a Parigi, l’Espace Pierre Cardin, dedicato al teatro, al cinema e alla danza, e a fondare nel 2000 il Festival Château Lacoste in Provenza.
Nel 2006 ha disegnato le coreografie di Marco Polo per l’Opera di Pechino. Nel giugno 2016 Pierre Cardin ha prodotto Dorian Gray al Teatro La Fenice di Venezia e ha disegnato i costumi. Nel novembre dello stesso anno ha luogo la sfilata Pierre Cardin per settanta anni di Design all’Institut de France a Parigi. Nella primavera 2017 presenterà il libro «Seventy Years of Design» di Jean-Pascal Hesse, Assouline editore.
Tra i molteplici riconoscimenti, i tre Gold Thimbles dalla Haute-Couture di Francia nel 1977, 1979, 1982; la Legione d’onore nel 1982, la nomina ad Ambasciatore Onorario dall’Unesco nel 1991 e a Membro dell’Académie des Beaux Arts nel 1992, Goodwill Ambassador FAO nel 2009, il Legend Award della città di New York nel 2010, il Leone d’Oro della Regione Veneto nel 2012, l’ Ordine dell’Amicizia della Federazione Russa nel 2014.

Lisette Model

Il Centro Phos presenta una mostra di Lisette Model (Vienna 1901 – New York 1983), fotografa americana di origine austriaca, conosciuta per le sue immagini “street” assolutamente non convenzionali e per i suoi ritratti assurdamente spontanei, immagini che le garantirono un’enorme fama. Non solo artista ma anche insegnante e fonte d’ispirazione per una vasta generazione di giovani fotografi, tra i quali Diane Arbus.

Tra le sue serie di ritratti, la sorprendente “Promenade des Anglais”, ambientata nella strada che percorre il lungomare di Nizza, fu realizzata nel 1934 e si impone per lo stile unico e diretto, attento alla posizione del corpo e ai gesti rivelatori di un preciso status sociale. Si tratta spesso di ritratti della classe locale agiata, ritratti che caratterizzeranno lo stile inconfondibile di Lisette: primi piani spassionati, esposizioni di vanità, insicurezza e solitudine, ottenuti allargando e tagliando i negativi in camera oscura.

Dopo il periodo francese, fu la Grande Mela a ispirarla. Qui realizzerà alcune delle sue serie più famose, in primis “Reflections”. Gli scatti catturano la multi-dimensionalità della città, riflessa nelle vetrine dei negozi, spesso lungo la Fifth-Avenue. Lisette passa molto del suo tempo anche nei semplici caffè della Lower East Side, dove elabora la serie che potremmo definire più libera, “Running Legs”, nella quale fornisce una straordinaria visione della città, catturandone il ritmo freneticamente “malato”.

Lavora con neri profondi, senza mai rinunciare ai dettagli e sviluppando un realismo intransigente, mai compiacente. Si sofferma sulle rughe di una donna truccata sotto il suo cappellino, su delle mani deformate e piene di anelli o sulla fragilità di un corpo che si rivela sotto l’apparenza del vestito.

Lisette Model si è guadagnata un ruolo di spicco nella cosiddetta Street Photo della scena newyorchese degli anni ’40. Ha inaugurato uno stile fotografico immediato e spontaneo, volto a immortalare una realtà in perenne mutamento, realizzando una galleria di ritratti grotteschi ma carichi di umanità.

“I just picked up a camera without any kind of ambition to be good or bad. And especially without any ambition to make a living… My whole freedom working in photography comes because I say to myself, “Let’s see what is going on in this world. Let’s find out. How do these people look?” L. Model.

Mostra in collaborazione con Mc2Gallery

Lisette Model
PHOS TORINO
Torino – dal 4 aprile al 10 maggio 2017
Via Giovanni Battista Vico 1 (10128)
Torino
phos@phosfotografia.it
www.phosfotografia.it

Dieci anni e ottantasette giorni

“Se ho paura del mio futuro? Il mio futuro consiste in sette giorni da quando avrò finito di scrivere questa lettera.Arnold Prieto, dall’intervista di Hamilton Nolan – braccio della morte – Texas, 2015

Contrasto pubblica Dieci anni e ottantasette giorni, il libro di Luisa Menazzi Moretti che documenta con le fotografie il tempo sospeso di coloro che attendono la morte nelle carceri americane. Dieci anni e ottantasette giorni non è soltanto il titolo di un libro, è innanzitutto la durata del tempo che un condannato a morte aspetta, in media, tra l’emanazione della sentenza e l’esecuzione della condanna.

Luisa Menazzi Moretti ha vissuto per molti anni in Texas, e ancora oggi trascorre lunghi periodi a quaranta miglia da Huntsville, città tristemente nota per il braccio della morte. Il Texas è infatti lo Stato USA che detiene il primo posto per le esecuzioni capitali tra tutte le nazioni democratiche del mondo occidentale.

Le immagini di Luisa Menazzi Moretti sono accompagnate dalle parole dei condannati a morte: lettere, pagine di diario, interviste. Parole e riflessioni che sono rivolte innanzitutto a chi resta, ai familiari di chi è stato giustiziato, non sempre perché colpevole. Le fotografie di questo libro costituiscono il racconto del periodo di solitudine che vivono i condannati: 3.737 giorni in cui i detenuti versano in condizioni di totale isolamento, con una finestra sul mondo costituita soltanto da una radiolina da tavolo, pochi libri, gli atti legali che li riguardano. Dieci anni e ottantasette giorni che possono diventare talvolta quindici, venti anni. Luisa Menazzi Moretti non commenta e non interpreta questo tempo: documenta le esistenze di queste persone diventate ormai “morti viventi”, lasciando la parola a loro, tra le ultime dichiarazioni prima dell’esecuzione e i tentativi di dimostrare una condanna talvolta ingiusta.

Dieci anni e ottantasette giorni non è un libro sulla crudeltà della pena capitale: è il racconto di un’estenuante attesa, tra angosce e tormenti interiori, con la certezza di un punto d’arrivo ben definito e il tentativo di prepararsi ad esso.

 

Luisa Menazzi Moretti

TEN YEARS AND EIGHTY-SEVEN DAYS

DIECI ANNI E OTTANTASETTE GIORNI

Formato: 21×29.7 cm
Pagine: 56
Fotografie: 17 in b/n e a colori
Confezione: brossura
Prezzo: 19,90 euro
Testi in inglese, italiano e tedesco

Il libro accompagna la mostra omonima che sarà esposta dal 13 aprile al 4 giugno 2017 al Museo di Santa Maria della Scala a Siena.

Luisa Menazzi Moretti

Nata a Udine nel 1964, Luisa Menazzi Moretti all’età di tredici anni lascia l’Italia per trasferirsi con la famiglia negli Stati Uniti, dove in Texas, nella città di College Station, frequenta la high school per poi proseguire a Houston i suoi studi universitari.
 
In quegli anni inizia la sua passione per la fotografia; frequenta corsi prediligendo la stampa e lo sviluppo in bianco e nero. Ritorna a vivere in Europa, si laurea in Lingue e Letterature Straniere Moderne, lavora a Londra per poi, dopo alcuni anni, trasferirsi in Italia. Ha vissuto a Udine, Bologna, Roma, Napoli e Venezia.
 
Le sue opere sono state esposte in musei, fiere, festival, galleria civiche private e sono entrate a far parte di collezioni internazionali. Critici e curatori quali Francesco Bonami, Achille Bonito Oliva, Denis Curti, Valerio Dehò, Maria Flora Giubilei, Antonio Giusa, Lothar Muller, Luigi Reitani hanno presentato e curato le mostre dell’autrice.
 

Nel 2016 la casa editrice Contrasto ha pubblicato Ten Years and Eighty-Seven Days, l’ultimo catalogo dell’autrice. Sempre dello stesso anno Gente di Fotografia ha edito il libro Somewhere – Luisa Menazzi Moretti. La casa editrice Arte’m ha pubblicato due cataloghi di Luisa Menazzi Moretti: Words (2013) e Cose di Natura – Nature’s Matters (2014).

Ten Years and Eighty-Seven Days, Museo Santa Maria della Scala, Siena (2017)
Cose di Natura, Galleria Due Piani, Pordenone (2017)
International Photography Awards, Honorable Mention, Ten Years and Eighty-Seven Days (2016)
AMACI – Giornata del contemporaneo, P Greco, Galleria La Salizada – Venezia (2016)
European Month of Photography 2016, Berlino – Istituto Italiano di Cultura – Ten Years and Eightyseven Day
Villa Manin di Passariano, Somewhere, 2016
AMACI – Giornata del contemporaneo, Cose di Natura, Galleria La Salizada – Venezia (2015)
Visual Action Ayotzinapa, Ayotzinapa Rural Teachers College – Guerrero, Messico (2015)
Premio L’Isola 2015 – Tropea (2015)
Festival dei due mondi di Spoleto, Sconfinamenti #3, Rocca Albornoziana – Spoleto (2015)
The Billboard Creative: finalista per lo Show Q1, Hollywood – Los Angeles, USA (2015)
EXPO MILANO, Ingredients for a Thought, Galleria STILL – Milano (2015)
MIA Fair, Ingredients for a Thought, Milano (2015)
Affordable Art Fair, Galleria Spazio Farini – Milano (2015)
Tre Oci Tre Mostre: Cose di Natura, Fondazione Tre Oci – Venezia (2015)
Words, Galleria Dafna – Napoli (2015)
Oci su Luisa Menazzi Moretti ed Elio Ciol, Galleria La Salizada – Venezia (2015)
Christie’s Auction: a noi ci frega lo sguardo, Galleria di Arte Moderna – Milano (2014)
Forum Universale delle Culture, Words, San Domenico Maggiore – Napoli (2014)
Fotofest International, The Collector’s Eye: the Maloney Collection, Silver Studios – Houston, USA (2014)
Words, Galleria la Salizada – Venezia (2014)
Cose di Natura, Galleria d’Arte Moderna – Genova (2014)
Words, Galleria Civica Tina Modotti – Udine (2014)
Words, Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea – Pordenone (2014)
Winter Sensations, Galleria Spazio Farini – Milano (2014)
Magic Mirror, Galleria La Salizada – Venezia (2014)
Magic Mirror, Galleria Tedofra – Bologna (2014)
Holiday Dreams, Galleria Spazio Farini – Milano (2013)
Finalista Premio Combat, Museo G. Fattori – Livorno (2013)
Finalista Premio Venezia (2013)
Words, Galleria Spazio Paraggi – Milano (2013)
MIA Fair, Words, Paola Sosio Contemporary Art Gallery – Milano (2013)
Magic Mirror, Galleria Le Stanze Bianche – Palermo (2013)
Affordable Art Fair – Milano (2013)
Bambini in missione di pace, Fondazione Sambuca – Palermo (2013)
Obiettivo la Ricerca, Centro Convegni AIL – Roma (2013)
Italo Zannier: la sfida della fotografia, Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea – Pordenone (2013)
Magic Mirror, Fabbrica delle Arti – Napoli (2013)

 

Ten Years and Eighty-Seven Days

Dopo il successo della mostra a Berlino (EMOP Berlin 2016) e il premio dell’International Photography Awards del 2016, giunge a Siena, al Santa Maria della Scala, che ne ha curato la produzione, il progetto fotografico Ten Years and Eighty-Seven Days/Dieci anni e ottantasette giorni di Luisa Menazzi Moretti che sarà visibile dal 13 aprile al 4 giugno 2017.

La mostra è composta da 17 fotografie di grande formato (esposte come opere singole, dittici e trittici) e 9 testi tratti da lettere e interviste rilasciate dai prigionieri del braccio della morte del carcere di Livingston, vicino ad Huntsville, in Texas e il titolo – Ten Years and Eighty-Seven Days/Dieci anni e ottantasette giorni – fa riferimento al tempo medio che deve attendere un condannato a morte, in solitudine, dal momento della condanna all’esecuzione. Le opere sono una sorta di trasposizione delle storie e dei testi con cui i condannati del braccio della morte raccontano le loro vite o descrivono le emozioni vissute nel carcere texano, dove tutt’oggi vengono eseguite più esecuzioni di ogni nazione democratica del mondo occidentale.

Scrive Daniele Pitteri, direttore del Museo Santa Maria della Scala di Siena: “…Queste esistenze Luisa Menazzi Moretti non le documenta, né le interpreta. Le trasfigura. Le compenetra, le filtra attraverso la propria sensibilità e le rimanda, trasfigurate appunto, sotto forma di immagini che non raccontano, ma che danno forma ai pensieri, alle sensazioni e alle emozioni provocate in lei dai pensieri, le sensazioni e le emozioni non di reietti a scadenza, ma di esseri umani che, nonostante tutto, esistono”.

Distante da ogni realismo, la fotografia di Luisa Menazzi Moretti richiama, in effetti, a una profonda riflessione sulla pena di morte. Sono, infatti, 29 gli Stati che ancora oggi negli USA praticano la pena di morte; se Luisa Menazzi Moretti ha scelto di lavorare su quanto continua ad accadere nel ricco ed evoluto Texas (dove ha vissuto per molti anni) è per il triste primato che rappresenta tra gli Stati confederati d’America, modello di democrazia liberale che non riesce a risolvere questa feroce contraddizione. 

Scrive Bruno Valentini, Sindaco di Siena: “Quando mi fermo e penso che i civilissimi Stati Uniti d’America, simbolo delle democrazie occidentali, applicano ancora la condanna a morte, un brivido mi attraversa la schiena. Com’è possibile? Come può essere giustificata questa barbarie? Come può uno Stato decidere sulla vita e la morte dei propri cittadini? Queste stesse domande mi hanno ossessionato per tutto i percorso artistico che Luisa Menazzi Moretti propone. Un percorso fatto di immagini e di parole, di significati che si intrecciano, di richiami continui tra due diverse sostanze dell’espressione e soprattutto è fatto di sensazioni forti.”

La mostra, curata da Luisa Menazzi Moretti è prodotta dal Complesso Museale Santa Maria della Scala con la collaborazione dell’Istituto Italiano di Cultura di Berlino, è patrocinata dal Comune di Siena con il supporto organizzativo di Opera-Civita, il catalogo è edito da Contrasto.

Siti web

www.santamariadellascala.com
www.luisamenazzimoretti.it

 

Testi di recensione alla mostra: 

Luisa Menazzi Moretti per Ten Years and Eighty-Seven Days >>>
Daniele Pittèri per Ten Years and Eighty-Seven Days >>>
Luigi Reitani per Ten Years and Eighty-Seven Days >>>
Lothar Müller per Ten Years and Eighty-Seven Days >>>
Bruno Valentini per Ten Years and Eighty-Seven Days >>>

Festival della Cultura Creativa

Da lunedì 3 a domenica 9 aprile si svolge il ‘Festival della Cultura CreativaLe banche in Italia per i giovani e il territorio‘, l’iniziativa promossa dall’Abi e dalle banche che operano in Italia con l’intento di avvicinare i giovani di età compresa tra i 6 e i 13 anni alla cultura e di stimolarne la creatività e il pensiero critico.

Il tema scelto per l’edizione 2017 è ‘Il buon viaggio – muoversi e crescere tra i sentieri dell’arte, della scienza e della creatività’, filo conduttore di tutte le iniziative organizzate sul territorio (laboratori, mostre, teatro, musica, ecc.). L’obiettivo è invitare bambini e ragazzi a riflettere sul concetto di viaggio: più che la meta al centro della riflessione ci sarà il percorso fatto da ognuno per procedere verso la direzione scelta. Un percorso fisico, mentale, concreto, fantastico, solitario, in compagnia, che può avvenire spostandosi o restando fermi, attraverso le parole dei libri o le immagini dei film e delle opere d’arte.

Il Festival della Cultura Creativa – spiega il direttore generale dell’Abi, Giovanni Sabatini – rappresenta l’occasione per riaffermare l’impegno culturale che le banche svolgono da sempre, affiancando le istituzioni come catalizzatori di cultura e creatività sul territorio. La manifestazione, che l’anno scorso ha coinvolto oltre 20 mila bambini e ragazzi, punta a valorizzare il talento delle giovani generazioni, aiutandole ad affinare sia le capacità espressive sia le potenzialità creative ed innovative, strumenti indispensabili per costruire un futuro fatto di crescita ed armonia”.

Oltre 75 eventi culturali in 50 città italiane svilupperanno il tema ispiratore, che ciascuna banca declinerà con strumenti e punti di vista differenti, alla luce delle proprie specificità e di quelle del territorio di appartenenza. I laboratori e le altre attività proposte vedranno la partecipazione di rappresentati delle banche e la collaborazione di scuole, musei, biblioteche e operatori culturali.

L’importanza sociale e culturale della manifestazione è testimoniata anche dalla la Main Media Partnership della Rai e la Media Partnership del TGR. La manifestazione ha il patrocinio dell’Unesco e del Ministero dei Beni e delle Attività culturali e del Turismo.

In occasione del Festival sarà presentato il libro di Beatrice Masini, scrittrice e giornalista, con i disegni di Gianni De Conno.

Paolo Manaresi. I colori dell’inquietudine

Con la mostra “Paolo Manaresi. I colori dell’inquietudine“, a cura di Andrea Dall’Asta SJ e Francesca Passerini con la collaborazione di Donatella Agostoni Manaresi, la Raccolta Lercaro ricorda Paolo Manaresi (1908-1991), protagonista dell’arte bolognese del Novecento, di cui è stato Maestro nel campo dell’incisione.

Rispetto alle precedenti esposizioni che hanno celebrato l’artista, la mostra della Raccolta Lercaro si presenta in modo inusuale: non sono infatti esposte (solo) le sue straordinarie incisioni, ma soprattutto le opere pittoriche, per lo più sconosciute al grande pubblico. All’interno del percorso espositivo vengono alla luce un centinaio di oli, pastelli e tempere, in gran parte inediti. Una vera e propria scoperta, che permetterà un’immersione nel lungo arco temporale che va dagli anni Trenta all’inizio degli anni Novanta, quando Manaresi concluderà la sua esperienza di vita.

Se la mostra si presenta in modo articolato e complesso, un filo rosso unifica le diverse sezioni: che si tratti di paesaggi, di scene religiose o, ancora, di nature morte realizzate in periodi diversi, il denominatore comune è sempre una profonda inquietudine. Nei primi ritratti o nelle scene d’interni degli anni Trenta i tratti sono ancora distesi, ma con l’arrivo della Seconda guerra mondiale la mano inizia a farsi nervosa. I lavori degli anni Cinquanta e Sessanta – siano essi paesaggi o periferie cittadine, che risentono delle lezioni metafisiche di Carrà e di Sironi – sono orientati da una ricerca estetica che privilegia il contrasto chiaroscurale: è la proiezione, in pittura, delle strade tortuose percorse interiormente dall’artista.

Nel succedersi delle diverse sale della mostra emergono infatti i suoi interrogativi sul senso della vita, espressi con grande intensità soprattutto nelle scene di carattere religioso.

Facendo uso di colori accesi e di segni forti che ricordano l’arte nord-europea, in particolare Munch e Nolde, Manaresi mostra come la sua ricerca esistenziale sia inseparabile da una riflessione sulla fede. In particolare si concentra sulle scene di Crocifissione, che dipinge in infinite varianti. Al centro, sempre la rappresentazione del Christus patiens: la sofferenza del Figlio Dio sembra rivelare il dolore stesso dell’artista. Oltre a Cristo, il personaggio maggiormente ricorrente è la Maddalena, rappresentata come una macchia cromatica di colore rosso vivo che, ai piedi della croce, grida dolore e amore.

Sono questi gli stessi anni in cui la Chiesa vive il concilio Vaticano II, anni di grandi aperture, ma anche di dolorosi scontri tra diverse visioni del mondo. Manaresi partecipa a questo dibattito attraverso la sua pittura: nel Cristo morto e nella Maddalena riversa il suo grido muto di uomo ferito dalla vita ma, nonostante tutto, ancora tenacemente capace di cercare risposte e riconciliazioni.

Questa irrequietezza si presenta in tutta la sua potenza espressiva nelle ultime composizioni, realizzate tra fine anni Ottanta e inizio Novanta: dopo una progressiva compressione dei volumi, una sintesi delle forme e un’intensificazione dei contrasti cromatici, alla fine della vita Manaresi elabora composizioni in cui le visioni dell’anima si mescolano e si fondono con la realtà naturale. Da un lato recupera elementi appartenenti alle precedenti ricerche formali, dall’altro risolve l’urgenza espressiva ricorrendo all’astrazione, via inedita per lui. Queste «opere nuove» – come lui stesso le definisce – appaiono quasi implodere su loro stesse. Il tratto nervoso e acuto sembra perdersi nell’iterazione. Qual è il senso di queste forme “informi”, nate da un urlo senza suoni e da un gesto colmo di energia, ma irretito e immobilizzato da un segno agitato? Tutto sembra perdersi in un buio esistenziale, in una sofferta sconfitta, come nella Composizione rosso-nera che chiude la mostra. Questi inediti lavori segnano il drammatico esito di un artista che ha ancora tanto da rivelare e che la mostra indaga da un punto di vista nuovo. Una riflessione sul senso delle cose e della vita.

La mostra resterà aperta fino al 2 luglio 2017

Catalogo disponibile in museo

Il progetto è stato realizzato con il contributo di:
Banca Popolare dell’Emilia Romagna
UniCredit
Ambos-Accessori per il mobile, Valsamoggia (Bologna)
Cantina Manaresi, Zola Predosa (Bologna)

Allestimento e direzione lavori: Paolo Capponcelli, PANSTUDIO architetti associati, Bologna
Responsabile tecnico: Claudio Calari