Progettare per chi… ieri e oggi di fronte all’emergenza climatica.

Mercoledì 22 gennaio 2020, alle ore 17, l’ISIA di Faenza inaugura l’anno accademico 2019-2020 con la Lectio Magistralis di Paolo Deganello dal titolo Progettare per chi… ieri e oggi di fronte all’emergenza climatica.

La lezione dell’architetto e designer Paolo Deganello, tra i fondatori nel 1966 a Firenze dello studio di architettura radicale Archizoom Associati, si focalizzerà su come il design debba affrontare un proprio risolutivo ripensamento, non potendo più ignorare la contraddizione tra uomo e natura.

Come scrive Deganello nel suo libro Design politico. Il progetto critico, ecologico e rigenerativo. Per una scuola del design del XXI secolo (Altreconomia, 2019) “le discipline del progetto hanno, infatti, lavorato negli anni Sessanta sulla contraddizione fondamentale capitale e lavoro sottovalutando o ignorando l’altra grande contraddizione uomo e natura. L’esasperarsi di queste due contraddizioni non risolte […] stanno rendendo sempre meno abitabile una parte sempre più estesa del nostro pianeta.

A questo proposito l’autore sottolinea come un nuovo pensiero progettuale debba necessariamente fronteggiare sia il degrado ambientale che quello sociale, intesi come le due facce strettamente interdipendenti e corresponsabili della progressiva inabitabilità della Terra. Nel corso della Lectio Magistralis, Paolo Deganello metterà a fuoco l’evolversi della committenza di design dalla fine degli anni Sessanta a oggi, attraverso le immagini di prodotto realizzate dallo stesso Deganello e da alcuni giovani progettisti che stanno già lavorando in questo senso.

Precederanno la Lectio Magistralis di Paolo Deganello, i saluti di Massimo Isola, Vicesindaco di Faenza, e gli interventi di Giovanna Cassese e Marinella Paderni, rispettivamente presidente e direttore di ISIA Faenza.

Durante la cerimonia saranno premiati i progetti vincitori del concorso d’idee promosso dall’azienda ATL Group di Faenza per la progettazione di mobili imbottiti con gli studenti del corso di Metodologia della progettazione II con Modellistica, II anno I livello, e i progetti vincitori del concorso d’idee per la creazione di arredi di illuminotecnica interni ed esterni per la nuova sede dell’azienda MMB software di Faenza realizzati dal corso di Metodologia della progettazione III con Modellistica, III anno I livello.

Paolo Deganello vive e lavora a Milano. Laureato in Architettura a Firenze, nel 1966 fonda con Branzi, Corretti e Morozzi lo studio di architettura radicale Archizoom Associati. Diversi i suoi progetti come urbanista (Piano Regolatore Generale di Calenzano), architetto, (restauro della Chiesa di Orsanmichele a Firenze, Casa sul Lago di Iseo, Can Rafols dels Caus ad Avinyonet del Penedès in Spagna), interior designer (negozio Schöner Wohnen a Zurigo, nove negozi Stefanel a Firenze e altre citta, negozio Art Decò a Verona), industrial designer (Poltronova, Cassina, Marcatre, Driade, Venini, Zanotta, Vitra Edition, Stefanel, Italcementi, La Murrina, SteelCase, Greggio). Ha svolto e svolge un intensa attività di pubblicista per Casabella, Lotus, CasaAmica, Experimenta (Spagna), Domus (Portogallo), Lib21. Ha insegnato Product design all’ISIA di Roma, alla Facoltà di Architettura di Alghero e alla Hochschüle di Saarbruken in Germania; Biodesign all’ISIA e alla FIDI di Firenze, Architettura degli interni e Architettura sostenibile all’ESAD di Matosinhos (Portogallo). È stato membro del consiglio accademico dell’ISIA di Faenza. Nel 2009 è uscita una monografia completa sul suo lavoro dal titolo As Razões do Meu. Projecto Radical, edita da ESAD. Nel 2019 l’editore Altreconomia ha pubblicato il suo libro Design politico. Il progetto critico, ecologico e rigenerativo. Per una scuola del design del XXI secolo.

ISIA Faenza Design & Comunicazione è un’istituzione universitaria di primo piano nel mondo della creatività e della progettazione contemporanei che, fin dalla sua fondazione, opera nell’ambito dell’Alta Formazione del design di prodotto e del design della comunicazione. Grazie anche alla rinnovata governance di Giovanna Cassese e Marinella Paderni, sta sviluppando un dialogo sempre più serrato tra formazione, ricerca, produzione e valorizzazione della cultura del design con una particolare attenzione al tema della ceramica contemporanea d’autore.        www.isiafaenza.it

 

Ministero Istruzione, Università e Ricerca Alta Formazione Artistica e Musicale
ISIA FAENZA – ISTITUTO SUPERIORE PER LE INDUSTRIE ARTISTICHE
Corso Mazzini, 93 | 48018 Faenza RA | 0546 222 93 | isiafaenza@isiafaenza.it

INDIXIA 2020 GLOBAL LOVE

La Fondazione INDIXIA fa il suo ritorno a New York, il 13 febbraio 2020 con INDIXIA 2020 GLOBAL LOVE, nella serata di chiusura della Fashion Week, con una mostra d’arte seguita da un’asta di beneficenza, ospitata dalla Sundaram Tagore Gallery di Chelsea (New York).

INDIXIA nasce da un’idea di Alessandra Fremura per sostenere la Fondazione Arts For India (AFI), fondata nel 2010 da Satish K. Modi nel Regno Unito, con l’obiettivo di aiutare i giovani non abbienti in India, permettendo loro di crearsi una via d’uscita dalla povertà attraverso l’accesso all’istruzione artistica. Da quattro anni INDIXIA organizza eventi di beneficenza di alto livello con la partecipazione di artisti di spicco nel panorama mondiale, al fine di fornire a ragazzi svantaggiati l’accesso all’istruzione attraverso l’assegnazione di borse di studio. La Fondazione collabora con partner d’eccellenza internazionale nei settori delle Belle Arti, del Design, della Moda, del Cinema e della filantropia, a supporto di organizzazioni globali, legalmente riconosciute, senza scopo di lucro.

Dopo il successo delle scorse edizioni alla Solomon Guggenheim di New York, a Hong Kong e a Londra, INDIXIA torna a New York portando avanti la propria mission benefica, sostenendo l’IIFA (International Institute of Fine Arts) e l’Afghan Hands. Il ricavato dell’evento, infatti, sarà devoluto a queste due realtà che da anni supportano le popolazioni vulnerabili, come donne e ragazze, aiutandole a ottenere l’indipendenza e l’accesso alla formazione scolastica nel campo artistico e offrendo una via di fuga concreta dai problemi di disuguaglianza di genere e matrimoni combinati. In particolare, grazie all’alleanza di INDIXIA con AFI, 100 ragazzi beneficiano di una borsa di studio di quattro anni con la quale frequentare l’IIFA. Questo programma è di vitale importanza per i giovani indiani che riescono, grazie all’istruzione, a rompere il ciclo della povertà.

Tra gli artisti presenti a INDIXIA 2020 è stato invitato a partecipare Giorgio Bevignani, che per l’occasione esporrà un’opera inedita dal titolo “Orma diptych”. Dopo le importanti esperienze a Miami all’interno della Fiera Context Art con la Galleria Stefano Forni e in Giappone al Moa Museum of Art – MOA 美術館 di Atami, Giorgio Bevignani continua a far conoscere il suo lavoro nel mondo, riscuotendo ampio successo. Scultore e pittore, Bevignani vive e lavora in Italia, in provincia di Bologna, dove modella, plasma e assembla diversi materiali trasformandoli in opere d’arte. Esse provengono da una ricerca artistica basata su scienze contemporanee, storia, mitologia, filosofia e matematica, le quali rappresentano le sue ispirazioni di partenza per lavorare la materia.

Numerosi saranno gli altri artisti provenienti da tutto il mondo; possiamo già nominare: Gustavo Aceves, Leon Belsky, Peter Drake, Veronica Fonzo, Veronica Gaido, Oriano Galloni, Bendy Ghelarduccy, Jacquie Hacansson, Michael Haggiag, Jago, Anna Minardo, Shalini Nopany, Olga Radicchi, Flavia Rabalo, Paola Tazzini Cha Hans Uder e altri ancora da annunciare.

L’evento sarà ospitato dalla prestigiosa e rinomata Sundaram Tagore Gallery di Chelsea, galleria d’arte contemporanea di rilievo internazionale con sede anche a Singapore e Hong Kong. Tra gli artisti che hanno esposto in questa galleria segnaliamo Edward Burtynsky, Chun Kwang Young, Anila Quayyum Agha.

INDIXIA 2020 è organizzato con il sostegno dei partners, tra gli altri: Rocketbuster Handmade Custom Boots, Sundaram Tagore Gallert, Noble Chic, Georgia Salvatici Photographer, Fournier PR + Consulting, FB International, Shipping Services, Gianluca Rondina, Marcella Ferretti Visuals. Media partner: Modern Luxury Manhattan.

 

GIORGIO BEVIGNANI: BIOGRAFIA

Giorgio Bevignani nasce a Città di Castello nel 1955, vive e lavora a Castel San Pietro Terme, Bologna (Italia).
Maestro d’Arte all’Istituto d’Arte San Bernardino di Betto di Perugia nel 1979.
Diploma di maturità in Arte applicata (scultura) all’Istituto d’Arte Duccio di Buoninsegna di Siena nel 1981. Ha frequentato l’Accademia di Belle Arti di Bologna dal 1984 al 1986, e l’Accademia di Belle Arti di Brera (Milano) dal 1986 al 1988.
Membro della Royal British Society of Sculptors dal 2014.
Le sue opere si trovano in collezioni private a MOA 美術館 – Museum of Art di Atami in Giappone, Miami, Milano, Francoforte, Siena, Bologna, Roma, Reggio Emilia, Brescia, Ancona, Cesena, Modena, Imperia, Bogotà, Nizza, Basilea, Strasburgo, Bruxelles, San Paolo, Helsingborg, Città di Castello.

Through time: integrità e trasformazione dell’opera

Lo CSAC – Centro Studi e Archivio della Comunicazione dell’Università di Parma riapre gli spazi rinnovati e restaurati dell’Abbazia di Valserena con Through time: integrità e trasformazione dell’opera, un programma di mostre e residenze d’artista realizzato in occasione di Parma Capitale Italiana della Cultura 2020, che vedrà la partecipazione di Massimo Bartolini, Luca Vitone ed Eva Marisaldi.

L’Archivio-Museo CSAC conserva a partire dal 1968 oltre 12 milioni di pezzi suddivisi in cinque sezioni: Arte, Fotografia, Media, Progetto e Spettacolo. Un patrimonio preziosissimo su cui gli artisti invitati a riflettere proponendone una propria lettura, una collezioni di archivi con cui hanno potuto confrontarsi e interagire per ideare delle installazioni che saranno visitabili nel corso del 2020, accompagnate da un progetto editoriale.

Il primo capitolo di Through time: integrità e trasformazione dell’opera vedrà protagonista Massimo Bartolini con un progetto dal titolo On Identikit che inaugura il 16 febbraio 2020 (fino al 22 marzo 2020) negli spazi della grande Chiesa dell’Abbazia.

Le opere di Massimo Bartolini, spesso pensate a partire da un contesto specifico ­– un’opera, una collezione – vivono in stretto legame con il luogo che le ospita. L’artista interviene sullo spazio in maniera del tutto antimonumentale, modificandolo, interpretandolo e definendolo. Nel corso della sua residenza allo CSAC, Bartolini si è focalizzato sulle opere di due grandi maestri come Luigi Ghirri e Luciano Fabro, presenti nelle collezioni degli archivi CSAC.

Nella fase preliminare del progetto, Bartolini si è concentrato nella ricerca di tutti i dischi in vinile fotografati da Ghirri nella serie “Identikit” (1979), dove l’artista emiliano restituiva in maniera veritiera e implacabile un ritratto di se stesso attraverso quello della propria libreria. I titoli dei vinili, spesso erosi dall’uso e quasi illeggibili sulla spina dei 33 giri, hanno istigato a Bartolini una “curiosità da archeologo”, per poter sfilare finalmente i dischi dalla bidimensionalità dello scatto fotografico e ascoltarli in compagnia dell’opera Lo Spirato di Luciano Fabro (1972), allestita in una delle cappelle nobiliari della Chiesa, “forse per consolare, come quando si porta un mazzo di fiori su una tomba o per rallegrare, come quando si vuole smuovere una energia o per modificare, come, grazie ad un sortilegio, rendere organico l’inorganico”.

Il secondo capitolo di Through time coinvolge Luca Vitone, già protagonista di una residenza presso lo CSAC nel 2017 in occasione del progetto #GrandTourists, artista che da sempre lavora sull’idea di luogo, produzione culturale e memoria. Il progetto espositivo dal titolo Il Canone che apre il 4 aprile 2020 (fino al 30 maggio 2020) prevede la messa in mostra del furgone utilizzato fino ai primi anni 2000 dallo CSAC per il trasporto delle opere e degli archivi in occasione delle donazioni, che sarà allestito nella navata della Chiesa dell’Abbazia di Valserena seguito da una lunga “parata” di lavorie progetti che rappresentano un ampio spettro della ricerca artistico-culturale italiana del Novecento, selezionati dall’artista con un criterio del tutto personale, quasi a ricostruire immaginari legami tra le opere conservate allo CSAC e le proprie vicende biografiche. Per Vitone, “entrare nell’archivio del CSAC è come immergersi in un mare tropicale […] Impossibile non rimanerne affascinati, anche se non si riconoscono i pesci si è frastornati dai colori, dalle forme e soprattutto dalla quantità di animali da osservare”. Tra gli autori scelti da Vitone negli archivi CSAC figurano Ugo Mulas, Alighiero Boetti, Gianni Colombo, Lucio Fontana, Mario Schifano, Mario Nigro, Pietro Consagra, Alberto Rosselli, Afro Basaldella, Luigi Ghirri, Archizoom Associati/Lucia Bartolini, Walter Albini, Giosetta Fioroni, Michelangelo Pistoletto, Maddalena Dimt, Franco Albini, Danilo Donati/Sartoria Farani, Ettore Sottsass jr., un anonimo (imitazione di Magistretti), Andrea Branzi, “Il Male” e infine un monocromo eseguito dallo stesso Vitone con le polveri del CSAC: una sorta di retino, di quelli usati dai bambini per catturare granchi e pesciolini, ma spesso portante vuota acqua salata.

Il capitolo conclusivo di Through time inaugura il 5 settembre 2020 (fino al 17 ottobre 2020) e avrà come protagonista Eva Marisaldi, artista che aveva già lavorato sugli archivi CSAC nel 2017 nell’ambito del progetto L’Abbazia per tutti, finanziato dal MIUR, quando aveva prodotto, con la collaborazione di Enrico Serotti, l’opera audio-video Jukebox rivolta al pubblico disabile e non, nell’ottica di un approccio inclusivo all’Archivio-Museo.

Eva Marisaldi si esprime attraverso un linguaggio artistico poliedrico mediato tra fotografie, manufatti, azioni, video, animazioni, installazioni, alternati a tecniche di ricamo e di disegno. Altresì i suoi lavori sono caratterizzati da una raffinata vena narrativa. Nella sua ricerca prende spunto dalla realtà ma si concentra su aspetti nascosti delle situazioni quotidiane, analizzandoli attraverso il suo modo di fare arte, un processo giocoso che si addentra nella sfera della fantasia e dell’immaginazione. Interrogandosi su tematiche quali il dialogo e la comunicazione, Eva Marisaldi indaga le possibilità di riflessione individuale e collettiva all’interno dello spazio espositivo, rapportandosi con esso in maniera sempre delicata ed elegante. Le sue opere di conseguenza non producono un impatto immediato, i suoi interventi sono complessi e si contraddistinguono per un iniziale senso di spaesamento, richiedendo lunghe pause di riflessione ed un’attenta osservazione.

Calendario delle mostre:

Massimo Bartolini. On Identikit
Mostra: 16 febbraio – 22 marzo 2020
Inaugurazione domenica 16 febbraio 2020, ore 11.00

Luca Vitone. Il Canone
Mostra: 4 aprile – 30 maggio 2020
Inaugurazione sabato 4 aprile 2020, ore 11.00

Eva Marisaldi
Mostra: 5 settembre – 17 ottobre 2020
Inaugurazione sabato 5 settembre 2020, ore 11.00

CSAC – Centro Studi e Archivio della Comunicazione
Abbazia di Valserena
Strada Viazza di Paradigna, 1 (Parma)
www.csacparma.it

Ufficio stampa CSAC

Irene Guzman
+39 349 1250956
press@csacparma.it

KayOne – Alfa Centauri

Copernico Garibaldi a Torino, uno dei 13 centri di Copernico, la rete di luoghi di lavoro, uffici flessibili e servizi che favoriscono lo smart working e la crescita professionale e del business ospita, dal 29 novembre 2019 al 31 gennaio 2020, ALFA CENTAURI mostra personale dell’artista KayOne a cura di Alessandro Paolo Mantovani.

ALFA CENTAURI racconta un sistema stellare che, per la similarità fra le sue componenti ed il Sole, si profila come uno dei siti più probabili per lo sviluppo di vita extraterrestre. In questo contesto, la scoperta dello Spazio ricorda la conquista dei writer, sempre alla ricerca di nuove superfici sulle quali poter esprimere la loro forma d’arte e l’evoluzione della lettera, partendo da Alfa. Nelle opere di KayOne, uno dei graffiti writer italiani della prima ora, vibra infatti la ricerca dello spazio, che caratterizza la proliferazione di un immaginario fervido intorno all’idea dell’ignoto, attraverso la rappresentazione di galassie, stelle e pianeti, mediante l’esplosione di forme e colori simili a scosse di energia provenienti da un Big Bang dell’universo stradale.

All’interno delle opere di KayOne ritroviamo quel sapore stradale, urbano e underground che tanto ha caratterizzato la sua vita, tutti elementi che l’artista ha saputo trasportare su tela, cogliendo le emozioni e il vissuto dei muri di periferia” – afferma il curatore della mostra Alessandro Paolo Mantovani – “Nelle sue opere, caratterizzate da piacevoli e audaci accostamenti di colori, caos energetico di linee e forme che richiamano al contempo le arterie urbane e gli anelli dei pianeti, percorriamo tunnel scuri e buchi neri, galassie immaginarie create a colpi di spray, ritrovando questo percorso in lavori dal grosso impatto visivo e dalla forte carica emozionale. Pennellate imperiose, esplosioni di colore, opere polimateriche con armonie di colori dall’equilibrio perfetto”.

La mostra fa parte di Art Journey il percorso, curato da Giorgia Sarti – fondatrice di diverse Gallerie d’arte tra cui Whitelight Art Gallery – in collaborazione con Copernico che si sviluppa nell’organizzazione di mostre, eventi e iniziative culturali. Un riconoscimento del ruolo dell’arte e della creatività che va oltre le logiche note, verso una collisione tra due differenti linguaggi che genera una nuova dimensione, in cui l’impresa e il mondo del lavoro si arricchiscono di nuovi contenuti e di un moto creativo che porta innovazione e idee avveniristiche. Arte come prezioso valore aggiunto al vivere quotidiano, che permette di approcciare temi trasversali ed eterogenei tra loro, creando un dialogo multidisciplinare a sostegno della crescita delle persone e delle imprese. Copernico amplia così gli orizzonti dell’esperienza lavorativa quotidiana aprendo i suoi spazi ormai da diversi anni all’arte e alla cultura. Allo stesso tempo, artisti e operatori dell’arte entrano in contatto diretto con il mondo dello smart working, all’interno di un’impresa aggregatrice di altre imprese e acceleratrice di innovazione, dialogando a stretto contatto con un pubblico aperto e in sintonia con i linguaggi propri dell’arte e della creatività.

CHI È COPERNICO
Copernico è una rete di luoghi di lavoro, uffici flessibili e servizi che favoriscono lo smart working e la crescita professionale e di business di freelance, professionisti, start-up e aziende, grazie alla condivisione di risorse, conoscenza, alla contaminazione di idee e al networking in un ambiente caratterizzato da stile, design ed esperienza unici. Oltre 6.000 professionisti utilizzano quotidianamente gli spazi di Copernico come sede di lavoro e luogo preferenziale per meeting e organizzazione di eventi.

sito web: www.coperni.co

Informazioni

KAYONE “ALFA CENTAURI”

Copernico Garibaldi Torino – Corso Valdocco 2, Torino

29.11.20 – 31.01.20

Da lunedì a venerdì su appuntamento

Inaugurazione: giovedì 28 novembre 2019 | ore 19.00 – 21.00

Ingresso su registrazione: art@coperni.co

Monumenti impermanenti – Conversazione

In occasione della mostra Monumenti impermanenti di Stefano Romano, a cura di Gabi Scardi, la Fondazione Adolfo Pini organizza, lunedì 18 novembre alle ore 18.30, una conversazione con l’artista e Lisa Parola sul tema del ‘monumento‘.

Stefano Romano, attraverso i suoi lavori, suggerisce l’idea che il ‘monumento’ possa perdere la propria assertività e da ‘Stabile e autorevole’, come normalmente viene percepito, appare diventare precario – impermanente – acquistando al contempo in termini di umanità. Nei lavori esposti in mostra Stefano Romano parla di confini, convivenza, accoglienza, tragedia e fallimento. Mette in discussione la rigidità di modi e concetti per lasciare spazio a una nuova percezione di ciò che ci circonda e contribuire così all’emergere di nuovi modi di vedere le cose.

L’artista dialogherà con Lisa Parola, che sul tema del monumento riflette da anni. Lisa Parola evidenzia due diversi orientamenti di ricerca possibili attraverso i quali l’arte ha scelto interrogare le differenti narrazioni del corso del XX secolo. Il primo orientamento prevede una rivitalizzazione ovvero un nuovo movimento rispetto al susseguirsi intricato di fatti, momenti e situazioni che accompagnano la fine del Novecento. Il secondo è rivolto alla reminescenza, intesa quale atto di consapevolezza, che il filosofo Paolo Rossi definisce come l’atto del cercare nel passato di riafferrare un pezzo di storia che è scomparso, perché ogni monumento è il risultato di un fragile equilibrio tra storia e immaginario.

È nel difficile passaggio tra XX e XXI secolo – dove convivono le tensioni tra una storia lineare e una storia in tempo reale, caratterizzata da una pluralità di voci e da un accumulo di date e dati – che il monumento torna ad avere voce e visibilità” afferma Lisa Parola.

Lisa Parola è laureata in storia dell’arte moderna all’Università di Torino. È co-autrice di varie pubblicazioni e ricerche, in particolare in tema di politiche culturali, sistema dell’arte e territorio. Nel 2013 è stata nominata mediatrice culturale per la candidatura di Matera a Città capitale europea della Cultura. Dal 2007 al 2014 ha insegnato nel Master in Management, marketing e multimedialità per i beni e le attività culturali del Corep di Torino. Fino al 2010 è stata collaboratrice del quotidiano “La Stampa” in qualità di giornalista di arte contemporanea. È socia fondatrice di a.titolo. Dal 2016 al 2019 è stata curatrice del programma culturale per Fondazione Sardi per l’Arte di Torino e ha collaborato con artisti come Fatma Bucak, Giuseppe Gabellone, Jorge Macchi e importanti istituzioni come l’Università degli Studi di Torino e spazi indipendenti come il progetto Quartz. Attualmente collabora con la Fondazione Merz e l’Università degli Studi di Torino.

Lunedì 18 novembre 2019 ore 18:30

CONVERSAZIONE CON STEFANO ROMANO E LISA PAROLA

Introduce Gabi Scardi
Evento collaterale alla mostra

MONUMENTI IMPERMANENTI di Stefano Romano

(Fino al 20 dicembre)

Fondazione Adolfo Pini – Corso Garibaldi 2, Milano

Ingresso gratuito

www.fondazionepini.net

JOBS – Forme e spazi del lavoro nel tempo della Quarta rivoluzione industriale

Negli anni Novanta, con i primi effetti dei processi della globalizzazione sull’economia italiana, il tema della deindustrializzazione entra all’attenzione dei media e del dibattito sulla città industriale condotto da architetti, urbanisti e sociologi del lavoro. Tuttavia, le tematiche inerenti al lavoro sono rimaste per lungo tempo sullo sfondo di una generale trasformazione dell’economia e della società, al punto che i media, la letteratura, il cinema e la fotografia se ne sono occupati solo marginalmente, come uno dei tanti effetti prodotti su larga scala dalla globalizzazione.

A seguito delle recenti crisi economiche, il tema della disoccupazione e della trasformazione del lavoro, anche in relazione alla rivoluzione digitale, ha avuto ripercussioni a livello politico e sociale, con un’improvvisa accelerazione nell’ultimo decennio. Con la Quarta rivoluzione industriale, caratterizzata da un forte impulso all’automazione, il lavoro sembra diventato invisibile nei flussi governati dagli algoritmi, ma in realtà ha assunto nuove forme in rapporto alla tecnologia e al territorio, diventato quest’ultimo, una vera e propria “fabbrica a cielo aperto”. La fotografia contemporanea si è preoccupata in questi decenni di sottolineare l’aspetto immateriale del lavoro e la dimensione astratta dei processi produttivi e delle nuove tecnologie ma forse manca una visione più approfondita e puntuale sulle nuove forme del lavoro e degli spazi della produzione.

Il progetto di ricerca di Linea di Confine, si propone pertanto di contribuire a una maggiore conoscenza delle forme e degli spazi assunti dal lavoro in questi ultimo decenni, attraverso una mostra, una giornata di studio aperta al pubblico e un concorso fotografico under 35.

Le tre iniziative sono fra loro correlate e si propongono al pubblico e ai partecipanti ai lavori della giornata di studio, come un laboratorio aperto alla discussione e al confronto sul tema del lavoro nell’epoca della quarta rivoluzione industriale, i cui esiti potranno essere utili nella preparazione di future indagini sul territorio.

La mostra collettiva inaugurerà sabato 16 novembre 2019 alle ore 13 all’Ospitale di Rubiera (Reggio Emilia), con opere prodotte recentemente sul tema da autori e collettivi come Michele Borzoni di TerraProject, con la serie Workforce, dove la “forza lavoro” è analizzata in vari contesti lavorativi, dall’Icommerce, ai call center, all’impegno di mano d’opera a basso prezzo nei lavori agricoli stagionali (2017), Allegra Martin con la serie I luoghi e i lavori 4.0 (2017), un progetto a cura della Fondazione Giangiacomo Feltrinelli, realizzata in collaborazione con la Fondazione Mast di Bologna, Andrea Paco Mariani, del collettivo SMK VideoFactory, con il video The Harvest, (2017) realizzato nelle campagne dell’Agro Pontino, dove viene impiegata in lavori agricoli mano d’opera indiana a basso costo, di William Guerrieri con la serie Bodies of Work (2018), un’indagine sul lavoro e il corpo, in rapporto alla tecnologia, alla Saipem di Marghera e nelle aree circostanti Fincantieri, realizzata per il Comune di Venezia, di Andrea Simi con la serie Poimec, realizzata su una piccola azienda situata nel Tecnopolo di Moncalieri, in Piemonte, che opera prevalentemente sui mercati internazionali (2019).

Oltre a queste opere saranno esposte fotografie provenienti dalla collezione di Linea di Confine, come la serie Ferrari’s Factory di Olivo Barberi realizzata nel 2003 e la serie Seccoumidofuoco di Paola De Pietri, realizzata nel 2013 nel distretto della ceramica di Fiorano Modenese, alcune fotografie degli anni Novanta in dialogo fra loro, sia per i contenuti che per gli aspetti formali, di Stephen Shore (dalla serie Luzzara, 1993) e Guido Guidi (dalla serie Lestans, 1998, da collezione privata), che ritraggono operai al lavoro su macchine utensili.

Infine, nel contesto della mostra saranno esposti gli esiti del concorso fotografico Under 35, (maggiori informazioni al sito www.lineadiconfine.org) che prevede l’esposizione delle ricerche di almeno 10 giovani autori sui temi della manifestazione.

Sempre sabato 16 novembre 2019, si terrà contestualmente alla inaugurazione delle mostre, dalle ore 10 alle ore 13 e dalle ore 15 alle ore 19 una Giornata di studio, con i saluti di Laura Moro (IBC Regione Emilia-Romagna) e con la partecipazione del sociologo Aldo Bonomi, dell’urbanista Stefano Munarin, dello scrittore Gianfranco Bettin, dell’architetto Claudio De Gennaro, lo storico della fotografia Antonello Frongia, dei fotografi Jorge Ribalta (Spagna), Olivo Barbieri, Michele Borzoni, William Guerrieri, Andrea Pertoldeo, Andrea Simi e del regista Andrea Paco Mariani.

JOBS – Forme e spazi del lavoro nel tempo della Quarta rivoluzione industriale

Inaugurazione: sabato 16 novembre alle ore 13, alla presenza delle autorità e degli autori.
Periodo mostra: 17 novembre – 22 dicembre 2019 Ingresso libero
Giornata di studio: Sabato 16 novembre dalle ore 10 alle ore 13 e dalla ore 15 alle ore 19. Partecipazione a iscrizione gratuita entro il 15 novembre: info@lineadiconfine.org

17 novembre – 22 dicembre 2019
Sabato, domenica e festivi 10-13 / 16- 19

Altri giorni su appuntamento

Ingresso libero

Linea di Confine per la Fotografia Contemporanea
Associazione culturale
L’Ospitale, Rubiera, RE
Via Fontana 2 42048 Rubiera RE
info@lineadiconfine.org

www.lineadiconfine.org

Florence Biennale 2019

Ha preso il via la XII edizione di Florence Biennale – Mostra internazionale di arte contemporanea e design. Nel Padiglione Spadolini della Fortezza da Basso di Firenze, fino a domenica 27 ottobre si potranno ammirare le opere di ben 747 espositori (484 artisti e 263 designers) provenienti da 78 paesi di cinque continenti.

Molto nutrito anche il programma degli appuntamenti in calendario nella terza e quarta giornata della manifestazione.

Domenica 20 alle 11, nell’area teatro si terrà la consegna del Premio “Lorenzo il Magnifico” alla Carriera, per la scultura, all’artista messicano Gustavo Aceves. La motivazione recita: “per aver magistralmente rappresentato, attraverso la scultura, frammenti di storia dell’umanità che evocano valori di civiltà e al tempo stesso veicolano un monito a non ripetere gli orrori verificatisi nella storia dell’Umanità e delle sue migrazioni”. Aceves, che sin dagli esordi ha ricevuto diversi premi, ha esposto i suoi lavori scultorei e grafici in sedi prestigiose del “vecchio e nuovo mondo”, fra cui il Museo del Prado, il Museo d’Arte Contemporanea di Sabbioneta, il Museo d’Arte Contemporanea di Beijing, il Museo d’arte Moderna INBA, il Cheek Gil Museum, il Museo del Palazzo di Belle Arti di Città del Messico e il Museo Amparo di Città del Messico. L’artista interverrà alla Florence Biennale, dove esporrà due dei quattro cavalli monumentali del progetto work-in-progress “Lapidarium – per superare i confini”, che prevede la realizzazione di cento cavalli monumentali. Dopo aver varcato l’Arco di Costantino e la Porta di Brandeburgo, il progetto approderà a Firenze, nel cortile della Fortezza da Basso, che ospiterà il grande Cavallo fuso in bronzo bianco e posizionato su una sequenza calibrata di undici blocchi della nobile breccia medicea a simboleggiare il Mare Nostrum. Oltre a raccogliere l’eredità millenaria di culture distanti, i Cavalli di Aceves sono realizzati sperimentando materiali e processi diversi, che conferiscono loro valenza simbolica e rimandano al progetto di monumento equestre in onore di Francesco Sforza, commissionato a Leonardo da Ludovico “il Moro”, ma mai realizzato, di cui rimangono però i disegni.

Alle ore 14 è in programma la presentazione del progetto “EpiMimesis – EpiZone V: Shifthing Identities” di Joanna Hoffmann con EpiLab Team (Art & Science Node Berlin), mentre un’ora più tardi si parlerà del progetto di Harper’s Bazaar (Cina).

Alle 16 l’artista giapponese Liku Maria Takahashi esporrà una sua installazione e coinvolgerà grandi e piccini nel suo workshop all’insegna della creatività e dialogo fra i popoli, il “Maris National Flag Project”; quindi alle 17 spazio alla performance di Eldarin Yeong dal titolo The Meal of Madam Candlestick e, alle 18, appuntamento con la lecture di Gregorio Luke (membro della Giuria internazionale di Florence Biennale, sezione Arte), dedicata a Leonardo da Vinci.

Il programma degli appuntamenti di lunedì 21 ottobre inizierà alle 14 con la Proiezione del film L’Architecte Textile di Mika’Ela Fisher, seguita alle 16 dalla presentazione dell’esito del workshop “Storia del gioiello/Archivio Bulgari” a cura di Paolo Torriti, Università di Siena, sede distaccata di Arezzo.

Quindi alle 17 sarà illustrato il progetto artistico “One World One Face” di Adoratorio, Digital Creative Agency, ed Erminando Aliaj, mentre alle 18 è prevista la cerimonia di consegna del Premio “Lorenzo il Magnifico” all’artista americano Anthony Howe. L’artista è famoso per le sue opere che, mosse dal vento, si trasformano in una sorta di creature in divenire, stelle o vortici. Sono “Opere come esseri viventi”, per dirla con parole di Carlo Ludovico Ragghianti. Howe sarà l’ospite d’onore della XII Florence Biennale e per l’occasione, negli spazi esterni della Fortezza da Basso, durante il periodo di apertura della mostra si potrà ammirare il frutto di un suo nuovo progetto mai esposto in Italia. Nato nel 1954 a Salt Lake City (Utah, USA), Anthony Howe è un artista tra i più innovativi della scena contemporanea. Le sue sculture cinetiche, mosse dalla forza del vento, hanno sbalordito il pubblico durante gli Academy Awards del 2017, così come avvenuto alle Olimpiadi di Rio de Janeiro 2016, in Brasile.

E ancora alle ore 18 nell’area lounge del padiglione design proseguono gli appuntamenti di show cooking con noti chef italiani: domenica 20 Giuseppe D’Auria realizzerà sculture di verdura; lunedì 21, la foodblogger esperta di pianificazione, Stefania Storai, svelerà l’architettura del tortello.

Domenica 20 il pubblico potrà visitare la mostra dalle 10 alle 20, mentre lunedì 21 la mostra aprirà alle ore 14 e proseguirà fino alle ore 20; il biglietto d’ingresso costa 10 euro, ma sono previste numerose riduzioni (a tale proposito si può consultare la pagina web www.florencebiennale.org/convenzioni/).

Ufficio media: Marco Ferri, mob.+39-335-7259518; @mail: press@marcoferri.info

Workshop intensivo sulla movimentazione delle opere d’arte

Le professioni dell’arte possono rappresentare uno sbocco per i numerosi studenti che acquisiscono un diploma o una laurea nelle università e nella accademie italiane. Molto spesso, però, gli atenei forniscono una preparazione prettamente teorica che rende difficile l’inserimento nel mondo del lavoro.

Infatti, in particolare,l’arte contemporanea sta offrendo sempre maggiore spazio a nuove figure professionali come l’art handler, il courier, il registrar, l’allestitore di mostre, la didattica museale.

Seguire l’allestimento di un padiglione alla Biennale di Venezia, organizzare la logistica e i trasporti delle opere d’arte per una mostra in un museo, organizzare l’arrivo e la partenza delle opere per una galleria privata….

Gli imballaggi, le assicurazioni, i trasporti: queste semplici mansioni richiedono una conoscenza e una competenza pratica che il workshop intensivo che la School for Curatorial Studies Venice offre a tutti coloro che desiderano acquisire gli strumenti per poter gestire le opere d’arte dai grandi musei alle piccole gallerie.

FINALITA’
Il workshop ha come finalità quella di introdurre ai diversi processi che precedono e conducono all’allestimento di una mostra d’arte. Con questa offerta formativa desideriamo fornire tutti gli strumenti necessari per organizzare un trasporto sicuro e professionale per un’opera d’arte. Partendo dall’imballaggio di un’opera, si prosegue con l’organizzazione del suo trasporto e assicurazione.
Altrettanto importante è saper gestire l’arrivo di un’opera e avere le competenze su come disimballarla e posizionarla nello spazio espositivo rispettando le norme di sicurezza richieste dalle istituzione pubbliche e private.

MATERIE DI STUDIO
– La professione del Registrar e i casi studio
– Metodologie per la Movimentazione
– L’imballaggio
– Facility e Condition Report
– Sicurezza e Allestimento
– Assicurazioni
– Documentazione Fotografica

I DOCENTI
Francesca Colsante (Ufficio mostre della Collezione Pinault) – Giovanni Dantomio (WeExhibit allestimenti) – Aurora Fonda (direttrice della School for Curatorial Studies) – Luca Racchini (architetto allestimenti internazionali) – Maurizio Torcellan ( Apice trasporti d’arte)

Studies Venice

IL PROGRAMMA

Sabato 14 dicembre
ore 11.00 Presentazione del programma di studio e inizio dei lavori. (Aurora Fonda direttrice della scuola)
ore 13.00 Pranzo
ore 14.00 – l’ufficio mostre/ Come compilare un condition report/le assicurazioni/ trasporti (Francesca Colasante – Pinault) ore 18.00/19.00 Visita della mostra a Palazzo Grassi. Stesura di un report da condividere il giorno dopo con Francesca Colasante.

Domenica 15 dicembre
ore 9.30 visita guidata alla mostra presso la Collezione Pinault, Punta delle Dogana, con analisi delle problematiche legate agli allestimenti. E stesura pratica di un condition report di un’opera a scelta della mostra. (Francesca Colasante)
ore 13.30 Pranzo
ore 14.30 Gestione degli spazi pubblici/sicurezza e allestimento, i case study dei padiglioni alla Biennale di Venezia (Luca Racchini – Biennale di Venezia)

Lunedì 16 dicembre
ore 9.30 Come imballare un’opera d’arte. Gli imballaggi e le norme di sicurezza per la movimentazione dei lavori. (Maurizio Torcellan – Apice)
ore 13.30 Pranzo
ore 14.30 Gestione delle opere d’arte. Norme di sicurezza e gestione degli allestimenti. (Giovanni Dantomio – We-Exhibit) ore 18.00 Discussione e bicchiere di prosecco finale.

COME ISCRIVERSI:
Il termine per le iscrizioni è fissato per il 24 novembre 2019. Entro quella data è necessario compilare il modulo di richiesta di ammissione e inviarlo assieme al Curriculum Vitae alla mail: info@corsocuratori.com.
La conferma di ammissione verrà data il 26 novembre 2019.
Il numero di posti disponibili è limitato, per cui coloro che saranno accettati al work-shop è richiesto di formalizzare immediatamente la loro domanda versando la quota per il workshop e inviando il modulo di iscrizione compilato che trovate sul sito.
La quota di iscrizione al corso è di 290,00 euro + 100 euro di iscrizione all’associazione per un totale di 390,00 euro.

School for Curatorial Studies Venice San Marco 3073, 30124 Venezia
www.corsocuratori.com
Email: curatorialschool@gmail.com Tel: +39 041 2770466

Nell’Officina di Gunter Bohmer

La Biblioteca Palatina di Parma ospita, dal 5 ottobre al 15 novembre 2019, una retrospettiva dedicata a Gunter Böhmer (Dresda, 1911 – Montagnola, 1986), artista della Mitteleuropa, noto per aver illustrato, tra gli altri, libri di Hermann Hesse, Thomas Mann, Franz Kafka, Luigi Pirandello, Stendhal, Gustave Flaubert e Guy de Maupassant, perseguendo una totale unità tra testo e immagini.

L’esposizione, che porta il visitatore “Nell’officina di Gunter Böhmer. L’illustrazione del libro come avventura interiore”, è promossa dal Comune di Collina d’Oro e dalla Fondazione Ursula & Gunter Böhmer, in collaborazione con il Complesso Monumentale della Pilotta, la Biblioteca Palatina e la Fondazione Museo Bodoniano. La mostra sarà inaugurata sabato 5 ottobre alle ore 11.00 nella Sala Petitot.

In esposizione, alcuni degli esiti più significativi della ricchissima attività di illustratore di testi, soprattutto letterari, svolta da Böhmer (alcuni libri d’artista a tiratura limitata con litografie e incisioni originali; circa centocinquanta volumi che recano la riproduzione di suoi disegni e di tecniche miste su carta; oltre mille copertine disegnate). Numerosi sono gli autori cui Böhmer ha rivolto la propria attenzione, illustrandone alcune delle opere, a partire dal 1933, quando Hesse gli commissiona l’illustrazione del suo “Hermann Lauscher”.

Ricordiamo, tra i tanti: Hermann Hesse, Thomas Mann, Franz Kafka, Robert Walser, Edward Mörike, Georg Büchner, Jeremias Gotthelf, Nino Erné, Hans Walter, Ossip Kalenter, Edgar Allan Poe, William Faulkner, John Keats, Liam O’Flaherty, Gabriele D’Annunzio, Luigi Pirandello, Stendhal, Gustave Flaubert, Guy de Maupassant, Honoré de Balzac, Hans Christian Andersen, i fratelli Grimm, Pedro Antonio de Alarcón.

Lo stile di Böhmer si evolve nel tempo: se all’inizio, nel segno sottile legato alla tradizione pittorica e illustrativa francese – pensiamo, tra i tanti nomi che si potrebbero citare, a André Dunoyer de Segonzac e poi a Bonnard, al cui “Parallèlement” possiamo rimandare per “L’Oleandro” di Böhmer, e successivamente a Raoul Dufy e a Henri Matisse –, si può cogliere quasi l’eco di uno sguardo che va alla scoperta delle bellezze del mondo e delle dolcezze della vita, presto i suoi disegni si caricano degli umori e delle passioni dell’espressionismo tedesco, con le sue durezze, le sue cupezze, le sue angosce, e del tramando di esperienze quali quelle di Picasso, di Alberto Giacometti e di Marino Marini, fino a qualche incursione nei grovigli e nei meandri del segno informale. Böhmer è comunque un illustratore nel quale sempre si può cogliere la tensione a un’immersione nella verità del testo, nel costante tentativo, come lui stesso affermò, di conseguire l’“unità tra testo e immagini” e di dare vita a un “organismo in cui tutti gli elementi letterari figurativi e tipografici compongono un’unità”. Confessa ancora Böhmer nel 1961 che a lui poco interessano strade che vengono battute (la decorazione, l’”arricchimento di fregi”, oppure una grafica libera, “musica d’accompagnamento” del testo), ma sperimentare un’“avventura psicologica”, “ciò che è proprio di una scelta interiore”.

L’esposizione resterà aperta al pubblico fino al 15 novembre 2019, da lunedì al giovedì ore 9.00-18.00, venerdì e sabato ore 9.00-13.00, sabato 2 e 9 novembre chiuso. Ingresso libero.

Per informazioni: Biblioteca Palatina (T. +39 0521 220411, b-pala@beniculturali.it, www.bibliotecapalatina.beniculturali.it); Fondazione Ursula & Gunter Böhmer (T. +41 091 123 456, info@fondazioneboehmer.ch, https://fondazioneboehmer.ch).

 

In occasione della mostra viene pubblicato un ricco catalogo, edito da Step di Parma, che reca, oltre ai saluti istituzionali di Ignazio Cassis (Consigliere della Confederazione Svizzera), di Sabrina Romelli (Presidente della Fondazione Ursula & Gunter Böhmer e Sindaco del Comune di Collina d’Oro) e di Simone Verde (Direttore del Complesso Monumentale della Pilotta), i saggi introduttivi di Sandro Parmiggiani e di Alessandro Soldini, curatori della mostra e membri del Consiglio della Fondazione Böhmer; due testi di Böhmer sull’illustrazione del libro; un’ampia documentazione fotografica su alcuni dei più importanti volumi illustrati dall’artista; gli apparati bio-bibliografici finali.

Gunter Böhmer, nato a Dresda nel 1911, è allievo di Emil Orlik e di Hans Meid all’Accademia di Belle Arti di Berlino, frequenta il pittore Max Slevogt, e nel 1933 su invito di Hermann Hesse si reca a Montagnola, nel Canton Ticino, trasferendovisi definitivamente l’anno seguente e fissando la propria residenza in “Casa Camuzzi” – solo nel 1951 otterrà cittadinanza svizzera. Con Hesse (Premio Nobel per la Letteratura nel 1946) la frequentazione è continua, così come intensi sono i rapporti con una piccola colonia di intellettuali e artisti, di varie nazionalità, che vivono o soggiornano nella zona (in primis, l’amico pittore Hans Purmann, Giovanni Mardersteig, fondatore a Montagnola dell’Officina Bodoni, Hugo Ball, tra i fondatori del Dadaismo, e la moglie Emmy Ball-Hennings, Max Horkheimer, filosofo, Alexander Ostrowski, matematico, Max Picard, medico e filosofo, Bruno Walter, direttore d’orchestra, oltre a tanti altri che si potrebbero menzionare). Dopo il primo incarico, ricevuto direttamente da Hesse nel 1933, Böhmer collabora con Giovanni Mardersteig dell’Officina Bodoni e con le Edizioni Albatros di Parigi, e intensifica la sua attività di illustratore, alternata alla pittura vera e propria, condotta fino alla fine dei suoi giorni. L’artista soggiorna in varie città italiane; è a Parigi, dove frequenta Raoul Dufy. Dal 1960 al 1976 è docente di Grafica creativa all’Accademia statale delle Arti Figurative a Stoccarda e ottiene numerosi riconoscimenti dalle autorità della Repubblica Federale Tedesca, compreso l’invito, nel 1980, all’Accademia tedesca di Villa Massimo a Roma. Muore nel 1986 a Montagnola; la vedova, Ursula Bächler, sposata da Böhmer nel 1945, promuove la costituzione della Fondazione Ursula & Gunter Böhmer, attiva nel Comune di Collina d’Oro.

Mostra promossa da:

 

 

In collaborazione con:

 

 

Nell’officina di Gunter Böhmer. L’illustrazione del libro come avventura interiore
A cura di Sandro Parmiggiani e Alessandro Soldini
Complesso Monumentale della Pilotta, Biblioteca Palatina, Sala Petitot
Strada alla Pilotta 3, 43121 Parma
5 ottobre – 15 novembre 2019
Inaugurazione: sabato 5 ottobre, ore 11.00
Orari di apertura: da lunedì a giovedì ore 9.00-18.00, venerdì e sabato ore 9.00-13.00, sabato 2 e 9 novembre chiuso.
Ingresso libero

Per ulteriori informazioni:
Biblioteca Palatina
Strada alla Pilotta 3, 43100 Parma
T. +39 0521 220411
b-pala@beniculturali.it
www.bibliotecapalatina.beniculturali.it

Fondazione Ursula & Gunter Böhmer
c/o Municipio di Collina d’Oro
Piazza Brocchi 2, 6926 Montagnola, Svizzera
T. +41 091 123 456
info@fondazioneboehmer.ch
https://fondazioneboehmer.ch

Ufficio Stampa:
CSArt Comunicazione per l’Arte
Via Emilia Santo Stefano 54, 42121 Reggio Emilia
T. +39 0522 1715142
M. +39 348 7025100
info@csart.it
www.csart.it

Paw Chew Go festival 2019

Sabato 12 e domenica 13 ottobre 2019 torna Paw Chew Go festival, il più grande evento di illustrazione a Milano. Oltre 100 gli espositori dal mondo delle arti visuali saranno nuovamente di casa a BASE Milano, insieme a una fitta programmazione di incontri, workshop, mostre, presentazioni di libri e portfolio review aperti a tutti gli appassionati e ai professionisti della creatività.

Alla base del Festival la voglia di incontrarsi, andando alla scoperta del mondo dell’illustrazione e dei suoi protagonisti, di incuriosire partecipanti di tutte le età permettendo a chiunque di comprare un’illustrazione e incontrarne l’autore, di far sorridere e divertire i bambini, o semplicemente di tornare bambini, a quando appunto si facevano…i paciughi.

Obiettivo dell’Associazione Paciugo, che da sei anni organizza la manifestazione autoproducendola in maniera indipendente, e con l’aiuto di ARCI L’Impegno, ARCI Milano e BASEMilano – hub di sperimentazione delle industrie creative -, è quello di dare spazio all’illustrazione proprio a partire da Milano, città da decenni luogo di elezione per chi dell’arte vuole fare una professione. Si desidera dimostrare davvero che la creatività può fare la differenza, che ha un valore profondo, per raccontare il mondo e avvicinare le persone, essendo un vero e proprio antidoto alla noia, che uccide il quotidiano e lo trasforma in un foglio bianco senza colore.

Paw Chew Go festival vuole quindi essere un luogo e uno strumento per dare concreto supporto e spazio ai professionisti della creatività, in particolare della comunicazione visiva, che, pur creando valore, oggi non hanno un vero e proprio movimento in cui riconoscersi e farsi conoscere.

PAW CHEW GO IN PILLOLE

La sesta edizione di Paw Chew Go festival avrà un programma ricco di appuntamenti, tra cui:

  • l’area mercato con circa 100 illustratori ed editori professionisti: Massimo Caccia, Giordano Poloni, Riccardo Guasco, Simone Massoni, Ilaria Clari, Bomboland, Francesco Poroli, Nina Masina, Sara Ciprandi, BURRND, Andrea Musso, Sarah Mazzetti sono solo alcuni dei nomi presenti.
    – due palchi per la presentazione di libri illustrati e momenti di dibattito con personaggi del mondo della comunicazione: da Beppe Giacobbe a Franco Matticchio, da Accurat a Josè Munoz, da Zuzu a Fabio Tonetto e Marco Galli. Gli incontri saranno moderati da Simone Sbarbati di Frizzifrizzi.
    – workshop di disegno e calligrafia: con Guido Scarabottolo, Luca Barcellona, Francesca Zoboli e Arianna Vairo.
    – due bookshop con pubblicazioni da tutto il mondo: per grandi e bambini, entrambi curati dallo Spazio B**K.
    _ : con Adriano Attus del Sole 24Ore, Giordano Curreri di Ogilvy Italia, e V Collective per l’illustrazione e mercato cinese.

NOVITA’ DELL’EDIZIONE 2019
Il festival quest’anno lancia Cine Paciugo, un vero e proprio cinema, allestito in collaborazione con Ufficio Misteri, che vedrà la proiezione di corti di animazione e documentari nati da Paw Chew Go dedicati a Phototeca e al lavoro di Nathalie Du Pasquier.

Grazie a Microsoft Italia, anche la tecnologia diventa protagonista durante una serie di sketch-battle tra i professionisti in fiera e in un live-painting digitale che accompagnerà l’esilarante spettacolo di improvvisazione teatrale del gruppo La Balena.

Durante tutta la durata dell’evento sarà inoltre possibile scoprire e toccare con mano, all’interno di un corner dedicato, i dispositivi della linea Microsoft Surface, ideati e progettati per offrire a professionisti e creators strumenti in grado di esprimere il proprio potenziale creativo.

Domenica 13, i dieci giorni del progetto Milano X Mediterranea si concluderanno sul palco di Paw Chew Go con un’asta speciale a sostegno di Mediterranea Saving Humans, condotta da Roy Paci, in cui verranno messe in vendita opere autografe di alcuni tra i maggiori artisti italiani: Olimpia Zagnoli, Emiliano Ponzi, Zerocalcare, Gli Scarabocchi di Maicol & Mirco, e molti altri.

I NOMI CONFERMATI NELL’AREA MERCATO

Susanna Alberti, Francesca Arena, Massimiliano Aurelio, Teatro Balocco, Davide Baroni, Francesca Bazzurro, Isabella Bersellini, Elisabetta Bianchi, Bomboland, Marco Brancato, Giorgia Bressan, BURRND, Massimo Caccia, Storie di Gomma, Alberto Casagrande, Chiara Cerinotti, Sara Ciprandi, Libri Finti Clandestini, Ilaria Clari, Fernando Cobelo, Giovanni Colaneri, Tutte Collective, Antonio Colomboni, Luca D’Urbino, Chiara Dattola, Oscar Diodoro, Galleria Disastro, Alessia Epifani, Ilaria Falorsi, Martina Filippella, Giada Fuccelli, Evelyn Furlan, Lisa Gelli, Salvatore Giommaresi, Riccardo Guasco, Letizia Iannaccone, Anonima Impressori, Isoì, Saleh Kazemi, Chiara Lanzieri, Massimiliano Di Lauro, LePalle, 5x letterpress, Federica Manciati, Andrea Manzati, Matilde Martinelli, Nina Masina, Simone Massoni, Sarah Mazzetti, Lilia Miceli, Ufficio Misteri, Andrea Musso, Barbara Nevano, Pietro Nicolaucich, Claudia Palmarucci, Bolo Paper, Sofia Paravicini, Marcella Peluffo, Gabriele Pino, Anna Pirolli, Gloria Pizzilli, Giordano Poloni, Francesco Poroli, Gianni Puri, Valeria Puzzovio, Quadrifluox, Francesco Del Re, Studio Rebigo, Retroaestetica, Raffaele Riccioli, Alessandro Ripane, Francesca Rizzato, Kelly Romanaldi, Andrea De Santis, Serena Schinaia, Irene Servillo, Marta Signori, THIS IS NOT A LOVE SONG, Chiara Spinelli, Sara Stefanini, Daria Tommasi, Collettivo La Touche, Mattia Tradati, Officina Typo, Federica Zancato, Myau Zine.

MOSTRE

Due le mostre in programma, entrambe prodotte dall’associazione Paw Chew Go. La prima, Vernice Paciugo: Nathalie du Pasquier, ricostruirà una parte dell’atelier della grande artista che a Milano ha trovato una città dove costruire una parte del proprio immaginario visivo, che poi è diventato quello di molti di noi.

INFORMAZIONI PRATICHE

QUANDO – Sabato 12 ottobre e Domenica 13 ottobre 2019 – dalle 10.00 alle 21.00

DOVE – BASE Milano Via Bergognone 34, Milano

base.milano.it

Ingresso gratuito

QUALCHE CONTATTO

Il sito: www.pawchewgo.com

La pagina su Facebook:https://www.facebook.com/pawchewgo

Il profilo Instagram: https://www.instagram.com/pawchewgo/

L’evento su Facebook: https://www.facebook.com/events/231386564219245

Informazioni: info@pawchewgo.com

CREDITS

PAW CHEW GO è una produzione dell’ Associazione Paciugo con ARCI L’impegno

Si ringraziano ARCI L’impegno, ARCI Milano, BASE Milano, IED Milano, Istituto Italiano di Fotografia

Media Partner: Frizzifrizzi

Partner Tecnico: Microsoft Italia

partner strategico: V Collective

UFFICIO STAMPA

ddl | T +39 02 8905.2365

Alessandra de Antonellis | alessandra.deantonellis@ddlstudio.net | 339 363 7388

Ilaria Bolognesi | ilaria.bolognesi@ddlstudio.net | 339 128 7840

Ilaria Piampiani | ilaria.piampiani@ddlstudio.net

Torna la Disfida di Barletta

La Disfida di Barletta torna in campo! Per l’edizione 2019, infatti, grande è l’attesa per il rinnovato appuntamento con il certame cavalleresco, la cui rievocazione riprende dopo 14 anni, fortemente voluta dal sindaco Cosimo Cannito.

Da giovedì 19 a sabato 21 settembre, il borgo antico e marinaro di Barletta, con il Castello, Porta Marina, piazza della Prefettura e le vie del centro, diventeranno un palcoscenico sul quale andrà in scena uno spettacolo multiforme, suggestivo e coinvolgente, a cura del direttore artistico della Disfida, il regista teatrale Sergio Maifredi.

Gli eventi
– giovedì 19 settembre, in piazza Prefettura, il momento dell’Offesa, l’affronto rivolto dal condottiero francese Guy de la Motte, alla presenza degli spagnoli, al valore dei cavalieri guidati da Ettore Fieramosca, rivivrà nel racconto teatrale interpretato da cantori, attori e figuranti;
– venerdì 20 settembre, Piazza Marina ospiterà il giuramento dei 13 cavalieri italiani, in un’atmosfera solenne e suggestiva;
– sabato 21 settembre, nel fossato del castello andrà in scena il certame cavalleresco, l’epico scontro fra i 13 cavalieri francesi e i 13 italiani. Seguirà, in Piazza Marina, e non in cattedrale, per fare in modo che tutti possano assistervi, il Te Deum di ringraziamento dei cavalieri per l’esito vittorioso dello scontro. In fine, in una atmosfera di festa e giubilo il corteo trinfale sfilerà per le strade della città, animato da giochi spettacoli.

Ho immaginato una messa in scena di grande coinvolgimento popolare – dice Sergio Maifredi – che da un lato rispetti la stratificazione di tradizione che la Disfida ha e, dall’altro, introduca delle novità nel modo di raccontare gli avvenimenti. Un grande certame, con coreografie equestri curate insieme a professionisti di alto livello, intrecciato ad un grande racconto, cantato e narrato, in musica e parole: cavalieri, cantori, musicanti e attori di prosa a cui affidare i ruoli dei protagonisti della Disfida. Così daremo voce ai personaggi principali, recitando col pubblico, al pubblico. Come si fa nel teatro dei pupi, evocando le azioni. E poi momenti di grande fantasia e di poesia affidati alla troupe francese dei Cavalli Luminosi”.

Coinvolgente e popolare, sono le parole chiave di questa edizione de La Disfida di Barletta – ha detto il sindaco Cannito – perché questo deve essere lo spirito di un evento di cui è impregnata l’identità non solo cittadina ma anche del territorio. Questa Disfida avrà il rigore dell’evento storico, l’estro della rievocazione artistica e la bellezza dello spettacolo!”.

Ufficio Stampa: Studio ESSECI, Sergio Campagnolo tel. 049.663499 gestione2@studioesseci.net

Vi.P. Gallery – Virgilio Patarini Arte Contemporanea

A meno di un anno dall’apertura della sua sede principale tra le montagne della Valcamonica, la Vi.P. Gallery – Virgilio Patarini Arte Contemporanea (un grande spazio espositivo di 220 mq di sale e 600 mq di giardino per sculture e installazioni) inaugura una piccola ma suggestiva dependance a Milano, in Alzaia Naviglio Grande, 4, in uno dei cortili più belli della vecchia Milano, nello spazio che fu un tempo “Atelier Chagall” e negli ultimi anni “Spazio E”.

Sabato 7 settembre 2019 alle ore 19 si inaugura la prima mostra, la doppia personale di Walter Bernardi e Carlo Fontanella, vincitori ex aequo del Premio Emilio Vedova-Il Segno 2019.

A seguire un programma di ben 35 mostre (una mostra diversa ogni 10 giorni) fino alla fine agosto 2020, tra personali (14), doppie personali (3), cicli di mini-personali (3), mostre degli artisti in permanenza (12, una al mese) e tre esposizioni ancora in corso di definizione.

Il programma completo sul sito:

https://www.zamenhofart.it/vi-p-gallery-milano-stagione-2019-2020/

Qui di seguito una presentazione della galleria e un breve approfondimento su come si articola la stagione. In allegato foto di opere dei primi due artisti presentati e la locandina della prima mostra.

Questa storia si può raccontare in due modi. Il primo è quello delle poche righe riportate qui sopra: una nuova grande galleria d’arte in provincia di Brescia apre una piccola ma strategica sede nel cuore della vecchia Milano, la Milano degli artisti e quella della Movida. Questo dal punto di vista della “galleria” e del suo funzionamento. Ma poi c’è il punto di vista del gallerista, che in questo caso è decisamente “sui generis”: artista, intellettuale che spazia dal teatro alla letteratura, alle arti visive, dalla scrittura alla critica d’arte, alla curatela, all’organizzazione di eventi, festivals, rassegne… Insomma, tutto tranne che un gallerista nel senso convenzionale del termine, o un “mercante d’arte”. (Anche se poi ovviamente le opere esposte alla Vi.P. Gallery sono in vendita…) E per altro già dal nome della galleria affiora lo spirito un po’ fuori dal convenzionale, ironico ed auto-ironico, del padrone di casa: infatti la sigla “Vi.P.” in “Vi.P.Gallery” non sta per “Very Important People”, ma per “Virgilio Patarini”, le iniziali di nome e cognome. I puntini sono due, non tre. Occorre prestare attenzione ai particolari…

Ecco allora che dal punto di vista di questo anomalo “gallerista”, questa non è una nuova apertura, ma un vero e proprio “ritorno a casa”. Letteralmente. Fisicamente. Infatti lo spazio sul Naviglio Grande che ora ospita la Vi.P. Gallery Milano è lo stesso che dal 2003 al 2013 ha visto nascere e crescere l’Atelier Chagall, galleria e luogo di eventi culturali fondato da Patarini stesso e da Valentina Carrera (altra figura di gallerista anomala: fotografa, pittrice, curatrice). E da quello spazio sono partiti progetti e iniziative che hanno coinvolto altri spazi, a Milano (Galleria Mirò, Galleria Zamenhof) e in altre città… finchè poi, dal 2013 in poi, Patarini ha cominciato a seguire sempre più progetti fuori Milano (a Roma, Venezia, Ferrara, Torino, Napoli), lasciando la direzione dello Spazio sui Navigli a Valentina Carrera. Spazio che a questo punto della storia cambia nome una prima volta e si viene a chiamare “Spazio E”.

Finché poi, un anno fa, la duplice svolta che è la premessa dell’attuale colpo di scena: sia La Carrera che Patarini aprono, quasi simultaneamente, due grandi spazi in provincia: Valentina Carrera lo Spazio Eden a Cislago (tra Varese e Milano) e Patarini la Vi.P. Gallery in Valcamonica. Con la differenza sostanziale che lo Spazio Eden è un vero e proprio centro culturale che organizza svariati corsi e attività, mentre la Vi.P. Gallery bresciana è “solo” una galleria che fa pochissime mostre all’anno e lavora principalmente con artisti e opere in permanenza. Di qui il “cambio della guardia”: Valentina Carrera lascia la direzione artistica della galleria milanese e subentra Patarini (che ha più tempo per occuparsene) con la neonata Vi.P. Gallery. E ovviamente Patarini torna portandosi dietro, non solo molti degli artisti selezionati e trattati negli anni, ma anche la rete di relazioni intrecciata nel corso del suo peregrinare per la Penisola.

Per questo oggi la nascita della Vi. P. Gallery di Milano, con la sua stagione già programmata, i suoi artisti in permanenza e il net-work di rapporti consolidati con Roma e Venezia, ci appare come Atena che nasce già adulta e in armi dalla testa di Zeus.

E così, venendo poi concretamente al calendario, abbiamo un palinsesto già definito nel dettaglio, dal 7 settembre 2019 al 31 agosto 2020, costruito sull’ossatura portante di 16 artisti selezionati che saranno sia protagonisti di una serie di 14 mostre personali e una doppia personale (proprio la mostra di apertura) che delle 12 mostre degli artisti in permanenza, una al mese per l’intera stagione, di 10 giorni ciascuna. A tale struttura portante si aggiungono altre due doppie personali, tre cicli di mini-personali ed altre 3 esposizioni tematiche in corso di definizione. Un mix equilibrato di artisti affermati ed emergenti, di figurativi ed astrattisti, di pittori, scultori ed artisti visivi.

Tutte le mostre saranno curate personalmente da Patarini, che si occuperà anche del relativo apparato critico di presentazione.

Inoltre saranno ospitati, con cadenza mensile, eventi culturali come piccoli concerti, performance teatrali, presentazioni di libri, conferenze, in una serie di dialoghi tra le arti e di incontri con autori di differenti discipline (il calendario degli eventi sarà pubblicato a partire dai primi di ottobre).

Last but non least, sempre in permanenza, una ricca collezione di cartoline e fotografie vintage della vecchia Milano e di protagonisti del mondo del cinema a cura di Fabrizio Gilardi che inoltre coadiuverà Patarini anche nell’organizzazione degli eventi e nella gestione della galleria. Patarini inoltre si è avvalso e si avvarrà della consulenza di colleghi delle varie discipline, che verranno segnalati di volta in volta nel corso della stagione.

Questi gli artisti in permanenza: oltre ai già citati protagonisti della mostra di apertura, ossia Walter Bernardi e Carlo Fontanella, in ordine alfabetico, Vito Carta, Marian Comotti, Rinaldo Degradi, Paola Gamba, Luisa Ghezzi, Paolo Lo Giudice, Laura Longhitano Ruffilli, Fiorella Manzini, Gabriele Marchesi, Franco Maruotti, Giuseppe Orsenigo, Michel Patrin, Maria Luisa Ritorno, Ivo Stazio.

Saranno inoltre protagonisti di mostre personali anche il padrone di casa, Virgilio Patarini, con Valentina Carrera e il fotografo romano Carlo D’Orta.

Zamenhof Art
email: galleria.zamenhof@gmail.com
sito: www.zamenhofart.it – cell. 3392939712

Sedi espositive:
Vi.P. Gallery Valcamonica- Virgilio Patarini Arte Contemporanea
Località Crist, via Nazionale, 35, 25050 Niardo (BS)

SpazioE – Vi.P. Gallery Milano
Milano, Alzaia Naviglio Grande, 4